Германия, Нидерланды, Франция, Англия. Начало – рубеж 15-16ст. · Отношение к античности: гораздо меньшее влияние античной культуры чем в Италии. · Значительное влияние готического стиля. «Осень средневековья» - произрастание Северного Ренессанса непосредственно из Готики. · Меньше наукообразия, больше мистицизма. · В искусстве - тема пути, жизненной дороги человека полной страданий, вместо его пребывании в божественном пространстве у итальянских мастеров. · Отсутствие идеализации, героизации и монументализации образа человека · В искусстве. Строгий порой саркастический взгляд на его пороки. · Присутствие иронии и юмора в искусстве, смех и плач одновременно. · Значительная роль пугающих образов в картинах Северного Возрождения (влияние средневековой символики). 15 век Ян ван Эйк. Рогир ван дер Вейден Иероним Босх 16 век Питер Брейгель Альбрехт Дюрер Франческо Приматиччо В 1427—1428 годах в составе герцогского посольства Ян ван Эйк отправился в Испанию, а затем в Португалию в числе тех, кто должен был договориться о свадьбе Филиппа Доброго и португальской принцессы. Ван Эйку было поручено написать портрет невесты. Было сделано два портрета. Оба были отправлены герцогу вместе с проектом брачного договора. Один был отправлен сушей, другой морем. До нашего времени портреты не сохранились. Среди шедевров Яна ван Эйка — а также портрет купца, представителя банкирского дома Медичи, Джованни Арнольфини с женой — так называемый Ян ван Эйк умер в Брюгге в июле 1441 года. В эпитафии ван Эйка написано: «Здесь покоится славный необыкновенными добродетелями Иоанн, в котором любовь к живописи была изумительной; он писал и дышащие жизнью изображения людей, и землю с цветущими травами, и всё живое прославлял своим искусством…» Алтарь состоит из 24 панелей, на которых изображены 258 человеческих фигур. Высота алтаря в центральной части достигает трёх с половиной метров, ширина (в раскрытом виде) — пяти метров. Картины, из которых состоит алтарь, расположены на внешней и внутренней стороне алтаря. На внешней стороне алтаря изображён донатор и его жена, молящиеся перед статуями Иоанна Крестителя и Иоанна Богослова. В среднем ряду изображена сцена Благовещения. Фигуры Девы Марии и архангела Гавриила разделены изображением окна, в котором виден городской пейзаж, который, как считается, соответствовал виду из окна в доме Вейдтов. В верхнем ряду картин представлены фигуры ветхозаветных пророков и языческих пророчиц, предсказавших пришествие Христа. В центре верхнего ряда изображен Бог-Отец, сидящий на престоле (ряд исследователей считает, что это не Бог-Отец, а Иисус Христос). У его ног лежит корона, символизирующая превосходство над всеми царями. Слева и справа от престола — изображения Богоматери и Иоанна Крестителя. Далее следуют изображения музицирующих ангелов. Ангелы изображены без крыльев. Один из ангелов (святая Цецилия) играет на органе с металлическими трубами. Завершают ряд обнажённые фигуры Адама и Евы. Над Адамом и Евой расположены сцены убийства Каином Авеля и жертвоприношение Каина и Авеля. В середине нижнего яруса изображена сцена поклонения жертвенному агнцу, символизирующему Христа. Перед жертвенником расположен фонтан — символ христианства. Слева от фонтана — группа ветхозаветных праведников, справа — апостолы, за ними папы и епископы, монахи и миряне. На правых боковых створках изображены шествия отшельников и пилигримов. На левых створках — шествие воинства Христова и Праведных Судей. На картине изображена Дева Мария с младенцем Иисусом на коленях, коронуемая ангелом и сидящая напротив канцлера Ролена. Действующие лица располагаются в итальянской лоджии, декорированной колоннами и барельефами. На заднем плане виднеется город с пересекающей его рекой. Вероятно, это бургундский город Отён, родина Ролена. Некоторые из многочисленных земельных владений канцлера в окрестностях Отёна включены в пейзаж «Портрет четы Арнольфини» является одним из лучших образцов интимного портрета в творчестве художника. Персонажи находятся в привычной для них домашней среде. Интерьер уютной небольшой комнаты, где каждая деталь изображена с тщательностью, доходящей до иллюзионизма, предвосхищает интерьеры нидерландских художников XVII века с их вниманием к самым обыденным вещам. И интерьер, и люди, несмотря на их праздничные одежды, изображены ван Эйком без обычной для него внешней эффектности. Художнику удалось передать волнующий момент «сосредоточенности человеческого Впервые художник показал своих современников в обыденной обстановке, раскрывая человеческую индивидуальность без посредников между профанным и сакральным, роль которых в других случаях осуществляют религиозные персонажи Важный смысловой элемент картины — зеркало на стене. Оно расположено на центральной оси композиции, прямо над соединёнными руками персонажей. Художник выделяет участок вокруг зеркала светом, и это не ровно падающий из окна свет (стена явно освещена неравномерно), это своеобразный ореол, окружающий выпуклое стекло. В зеркале пара главных персонажей отражается со спины, показана также дверь в противоположной стене комнаты и два человека на её пороге — в красном и синем одеяниях. Судя по силуэтам их костюмов, это мужчина и женщина, черты их лиц невозможно разобрать. Некоторые исследователи, обращая внимание на то, что надпись над зеркалом гласит «Ян ван Эйк здесь был», считают, что один из стоящих на пороге комнаты — сам художник (фигура в синем) На картине изображено явление святых её донатору Йорису ван дер Пале — писарю папской канцелярии, сделавшему успешную карьеру священника. Дева Мария с младенцем Христом на коленях восседает на престоле в центре картины, справа от неё святой Донатиан, архиепископ Реймский, слева — святой Георгий, покровитель донатора. На картине изображена Дева Мария, идущая с младенцем Христом на руках под сводами готического собора. Стиль картины очень близок византийской элеусе XIII века, на что указывает поза, монументальность и неестественно большой размер Богоматери по сравнению с интерьером собора, залитым тёплым светом, который символизирует непорочность Марии и незримое присутствие Бога На колонне позади Мадонны видна табличка с текстом для молитвенного чтения, являющаяся отличительной чертой паломнических церквей. Фрагмент такого текста — гимна, начертанного на утраченной раме — заканчивался словом ETCET (и так далее), предписывая молящемуся прочитать весь гимн целиком. Таким образом Дева Мария может интерпретироваться как ожившая статуя из ниши на заднем плане, являющаяся в знак высшей награды за благочестие и как венец паломничества. На обеих копиях картины табличка сохранена, причём на одной из них приближена к зрителю 1399/1400-18 июня 1464 Творчество ван дер Вейдена сфокусировано на постижении индивидуальности человеческой личности во всей её глубине. Сохранив спиритуализм предшествующей традиции, ван дер Вейден наполнил старые изобразительные схемы ренессансной концепцией активной человеческой личности, глубоким психологизмом и эмоциональной интенсивностью. В конце жизни, «отказывается от универсализма художественного мировосприятия ван Эйка и концентрирует всё внимание на внутреннем мире человека». Огромная часть работ Рогира, львиная доля которых — на светские сюжеты, к настоящему времени утрачена. Восстановление его творческого пути, а также атрибуция работ затруднена тем, что мастер не имел обыкновения подписывать свои работы. . Тем не менее, к настоящему времени творчество Рогира ван дер Вейдена по праву занимает одно из самых высоких мест в истории европейской живописи. Поражает изображение руки на портрете. Она не столько уравновешивает композицию на этом погрудном портрете, сколько приковывает к себе внимание, словно второе лицо. Рука сама по себе — целое произведение искусства: стоит проследить за тем, как контуры пальцев переходят в складки кожи между ними или сопоставить полумесяц большого пальца с изгибом мизинца. Человек на портрете раскрывает нам скорее свой ранг, нежели характер. Он символ цивилизации, а не индивидуальность.С кожи которого сознательно убраны все возможные недостатки: отсутствуют морщины и шрамы, а губы кажутся буквально полированными. Но вместе с тем это не столько полная идеализация, сколько не до конца проявленный реализм, ограниченный в угоду стилю и всему изображению в целом. На центральной панели — Христос, вершащий Страшный суд, прямо под его изображением — архангел Михаил, взвешивающий на своих весах души умерших. Справа от Христа преклонила колени Богородица, заступница рода человеческого, смиренно просящая Сына простить людям их грехи. И Христос, и святые, окружающие его, восседают на огненных облаках, под которыми лежит выжженная земля. Свинцовые небеса озарены сполохами адского пламени. Туда, в ад, горестно следуют нераскаявшиеся грешники. В противоположную сторону направляются спасшиеся. У ворот Небесного Иерусалима их встречает ангел. Рождение, Смерть и Воскресение. Вечная жизнь. Просто, сложно, непостижимо. Бог. Человек. Приход к Матери после Смерти и Чудесного Воскресения. Слезы на щеках Богородицы. Так просто все у Рогира ван дер Вейдена, тихо, без патетики, почти реальные сцены, только видны раны на теле воскресшего Бога... Успокаивающий жест Христа, почти ощущения несостоявшегося прикосновение Его рук к рукам Матери Алтарь работы Рогира ван дер Вейдена "Мирафлорес" происходит из одноименного испанского монастыря. Триптих знаменитого голландского художника, известного к 1400 г. далеко за пределами Нидерландов, был пожертвован Хуаном II Кастильским монастырю. Идейный центр композиции — мертвый Христос и Дева Мария, упавшая в обморок. Ван дер Вейден нарушает каноны, придавая телу Девы необычное, но чрезвычайно эмоционально насыщенное положение, как бы рифмующееся с положением тела её Сына. Этот смелый и необычный ход как бы символизирует идею преданности Богоматери Богочеловеку. Положение рук Христа и его матери направляет взгляд зрителя на череп Адама, иллюстрируя тем самым идею и сущность искупительной жертвы, принесённой Господом во имя падшего человечества. Ван дер Вейден был поглощён портретной живописью к концу жизни и высоко ценился последующими поколениями художников за проницательную передачу характера изображаемого образа. В этой работе покорность женщины передана через её хрупкое телосложение, опущенный взгляд, сжатые пальцы. Многие черты Дамы выдают стремление ван дер Вейдена соответствовать готическим идеалам — узкие плечи, собранные волосы, высокий лоб, сложный головной убор. «Портрет Дамы» — единственный портрет, подписанный ХУДОЖНИКОМ, однако имя модели не известно. В свои картины ван дер Вейден привносит свою особую эстетичность, женщины в его работах очень часто имеют внешнее сходство друг с другом. Про этот портрет сказано:«выдающийся среди всех портретов женщин всех школ». Искусство Босха всегда обладало громадной притягательной силой. Прежде считалось, что чертовщина на картинах Босха призвана всего лишь забавлять зрителей, щекотать им нервы, подобно тем гротескным фигурам, которые мастера итальянского Возрождения вплетали в свои орнаменты. Современные учёные пришли к выводу, что в творчестве Босха заключён куда более глубокий смысл, и предприняли множество попыток объяснить его значение, найти его истоки, дать ему толкование. Одни считают Босха кем-то вроде сюрреалиста XV века, извлекавшего свои невиданные образы из глубин подсознания, и, называя его имя, неизменно вспоминают Сальвадора Дали. Главные шедевры Босха, обеспечившие ему посмертную славу, — большие алтарные триптихи. До нашего времени сохранились: Считается первой из больших сатирико-нравоучительных аллегорий зрелого периода творчества художника. Триптих изобилует маленькими фигурками, написанными в смелой технике мазка. На фоне бескрайнего пейзажа следом за огромным возом сена движется кавалькада, и среди них — император и папа. Представители иных сословий — крестьяне, горожане, клирики и монахини — хватают охапки сена с воза или дерутся за него. За лихорадочной людской суетой сверху безразлично и отстранённо наблюдает Христос, окружённый золотым сиянием. Никто, кроме молящегося на верху воза ангела, не замечает ни Божественного присутствия, ни того, что телегу влекут демоны. Возможно, картина иллюстрирует старинную нидерландскую пословицу: Левая створка триптиха посвящена теме грехопадения прародителей, Адама и Евы. Традиционный, культовый характер этой композиции не вызывает сомнений: она включает четыре эпизода из библейской Книги Бытия — низвержение с небес восставших ангелов, сотворение Евы, грехопадение, изгнание из Рая. Все сцены распределены в пространстве единого пейзажа, изображающего Рай. Иконографическим новшеством является то, что Босх связал грехопадение прародителей, Адама и Евы, с низвержением восставших ангелов. Изображение Ада встречается в творчестве Босха гораздо чаще, чем Рая. Художник заполняет пространство апокалиптическими пожарами и руинами архитектурных построек, заставляющими вспомнить о Вавилоне — христианской квинтэссенции бесовского города, традиционно противопоставлявшегося «Граду небесному Иерусалиму». В своей версии Ада Босх опирался на литературные источники, расцвечивая почерпнутые оттуда мотивы игрой собственной фантазии. На правой створке триптиха изображены бесы-каменщики, возводящие исполинскую башню. Это круглое сооружение выглядит инфернальной пародией Вавилонской башни, предназначенной для осуждённых душ, — от этого и предостерегает Босх род человеческий Занимая весь передний план, возникает фигура изнурённого, обтрёпанного немолодого человека с плетёным коробом за спиной; зловеще-мрачный пейзаж, окружающий его, неприветлив и вселяет тревогу. Слева внизу лежат череп и груда костей; по пятам за этим странником бежит, норовя укусить его, уродливая собачонка; мостки, на которые он собирается ступить, треснули и вот-вот подломятся. В отдалении видны разбойники, ограбившие другого путника и привязывающие его к дереву. Под другим деревом под звуки волынки пляшут крестьяне. На холме (на заднем плане) вокруг виселицы собралась толпа, а рядом виден высокий шест с укреплённым на конце колесом — на нём было принято выставлять тела казнённых преступников. Присутствие падающего в обморок персонажа не разъясняет противоречий сложной иконографии ка ртины. Принято считать, что триптих посвящён св. Юлиане, культ которой весьма распространён в Северной Италии. Она была продана работорговцами Евсевию, который, возможно, и представлен в образе персонажа, лишившегося чувств. В центре изображения возвышается крест. На нём, вопреки ожиданиям, не Спаситель, а изящная женщина с длинными рыжими волосами, короной и в роскошном платье. Вокруг креста сгрудились мужчины – одежда выдаёт в них представителей различных социальных сословий. Они суетятся, глазеют на распятую, тычут пальцами, а один даже потерял сознание, и его тут же, у подножия креста, пытаются привести в чувство. Смысл правой створки неясен. Сторонники версии с Юлианой, предполагают, что на ней показаны два работорговца. На левой створке изображён св. Антоний либо же Иоаннн, но каким образом он связан с центральным сюжетом – остаётся загадкой. Высказывалось предположение, что ранее на боковых створках изображались донаторы (заказчики триптиха, оплатившие работу), но по каким-то причинам их изображения впоследствии были записаны. самый известный триптих, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия Может показаться, что на картине изображено «детство человечества», «золотой век», когда люди и звери мирно существовали бок о бок, без малейшего усилия получая плоды, которые в изобилии дарила им земля. Однако не стоит считать, что толпа обнажённых любовников должна была по замыслу Босха стать апофеозом безгрешной сексуальности. Для средневековой морали половой акт, который в XX в. научились наконец воспринимать как естественную часть человеческого бытия, был чаще доказательством того, что человек утратил свою ангельскую природу и низко пал. В лучшем случае на совокупление смотрели как на неизбежное зло, в худшем — как на смертный грех. Скорее всего, для Босха сад земных наслаждений — мир, растленный любострастием. Левая створка изображает последние три дня сотворения мира. Небо и Земля произвели на свет десятки живых существ, среди которых можно увидеть жирафа, слона и мифических зверей наподобие единорога. В центре композиции поднимается Источник Жизни — высокое, тонкое, розовое сооружение, украшенный затейливой резьбой. Сверкающие в тине драгоценные камни, так же как фантастические звери, вероятно, навеяны средневековыми представлениями об Индии, пленявшей своими чудесами воображение европейцев со времён Александра Македонского. Существовало народное и достаточно распространённое поверье о том, что именно в Индии находится утраченный человеком Эдем. Правая створка получила своё название из-за изображений инструментов, использованных здесь самым странным образом: на арфе распят один грешник, ниже лютня становится орудием пытки другого, лежащего ничком «музыканта», на ягодицах которого оттиснуты ноты мелодии. Её исполняет хор проклятых душ во главе с регентом — монстром с рыбьей мордой. Дьявольский механизм — вычлененный из тела орган слуха — составлен из пары проткнутых стрелой исполинских ушей с длинным лезвием посередине. Существует несколько вариантов толкования этого фантастического мотива: по мнению одних, это намёк на человеческую глухоту к словам Евангелия «имеющий уши да услышит». Выгравированная на лезвии буква «М» обозначает либо клеймо оружейника или инициал живописца, по каким-либо причинам особо неприятного художнику известный также под прозвищем «Мужицкий» — живописец и график, самый известный и значительный из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Свою творческую биографию он начал как график, к середине 1540-х годов оказался в Антверпене, где обучался в мастерской у Питера Кука ван Альста, придворного художника императора Карла V. В мастерской Ван Альста Брейгель работал до самой смерти своего учителя в 1550 году. В 1551 году Брейгель был принят в антверпенскую гильдию живописцев и поступил на работу в мастерскую к Иерониму Коку, печатавшему и продававшему гравюры. В мастерской Кока художник увидел эстампы с картин Босха, которые произвели на него такое впечатление, что он нарисовал собственные вариации на темы великого художника. На картине Брейгель изображает празднование этого торжества на площади одного из фламандских городков. Тучный человек в колпаке, сидящий на бочке с вином, олицетворяет Карнавал. В руках у Карнавала находится его «орудие» — вертел, на который нанизана мясная снедь. Справа от Карнавала находится тощая фигура Поста, сидящая на стуле, который тащат в сторону Карнавала монах и монахиня. На голове у Поста находится пчелиный улей — знак умеренности и верности церкви. Сюжет картины заимствован из греческой мифологии. Минос, царь острова Крит, держал в плену талантливого изобретателя Дедала и его сына Икара. Чтобы покинуть остров, Дедал решил сделать для себя и для сына крылья и перелететь через море. Перед полётом он предупредил сына, чтобы тот не поднимался слишком высоко: перья, из которых Дедал смастерил крылья, были скреплены воском и солнечный жар мог растопить его. Однако Икар ослушался отца и взлетел к самому солнцу. Воск растаял; Икар упал в море и утонул. Миф об Икаре подробно излагается в «Метаморфозах» Овидия, и Брейгель, несомненно, был знаком с этим источником. В основу картины положен сюжет из Первой книги Моисея о строительстве Вавилонской башни, которая должна была, по замыслу людей, достичь вершиной неба: «Построим себе город и башню высотою до небес». Чтобы усмирить их гордыню, Бог смешал языки строителей, так что они больше не могли понимать друг друга, и рассеял их по всей земле; таким образом, реализация задуманного грандиозного плана не была завершена. Мораль сей картины — бренность всего земного и тщетность стремлений смертных сравниться с Господом. В пейзажах этого художника люди нередко изображались маленькими, еле заметными, а основную роль в композиции играл ландшафт. Влияние Патинира прослеживается и в цветовом решении картины: так, для его пейзажей характерно изображение переднего плана в коричневых тонах, среднего — в зелёных, дальнего — в голубых 16 век немецкого искусства принято называть «эпохой Дюрера», не только в связи с творчеством самого художника, но и благодаря его влиянию на культуру Германии этого времени. Дюрера так же называли «северным Леонардо». Действительно эти две фигуры сопоставимы по масштабу, те более, что они современники. Из биографии Дюрера следует отметить, что он происходил из многодетной семьи золотых дел мастера. Отец учил его своему ремеслу, надеясь, что он продолжит его дело. Но Дюрер больше увлекался рисованием и живописью чем работой с драгоценными металлами. Надо сказать, что искусство гравюры в те времена только начинает развиваться. 15 век открывает в западной Европе эру книгопечатания. Две известные аллегории : и повествуют об испытаниях и искушениях через которые проходит человеческая душа в земной жизни, или «гений разума», как ее называли античные стоики. резцовая гравюра на меди, законченная в 1514 году. «Меланхолия» — одна из наиболее таинственных работ Дюрера, выделяющаяся сложностью и неочевидностью идеи, яркостью символов и аллегорий. Гравюра содержит очень много символов, часть из которых связана с планетой Сатурн (планетойпокровительницей меланхоликов). Во времена Дюрера меланхоликов делили на три типа. К первому относили людей с богатым воображением, это — художники, поэты, ремесленники. Ко второму — людей, у которых рассудок преобладает над чувством: учёных, государственных деятелей. Третий тип — люди, у которых преобладает интуиция: богословы и философы. Так как Дюрер был художником, он относил себя к первому типу меланхоликов, о чём и гласит надпись на гравюре «MELENCOLIA I»[ Смерть, Дьявол, и пейзаж, всё изображено в мрачных тонах «Северного Возрождения». Оба персонажа угрожают рыцарю, который закован и защищён в прямом и переносном смысле в броню своей веры. На гравюре облачённый в доспехи христианский рыцарь, в узком ущелье, в сопровождении дьявола со свиным рылом и Смерти — верхом на коне. Смерть держит песочные часы, чтобы напомнить рыцарю о краткости его жизни и тщетности усилий. Дьявол следует по пятам, готовый воспользоваться каждой ошибкой. Но всадник двигается по ущелью игнорируя или не глядя на существ вокруг него. Рыцарь демонстрирует абсолютное презрение к опасности и сомнениям, что часто рассматривалось как символ чести и мужества. Учился в Мантуе у Джулио Романо, также был учеником Инноченцо ди Пьетро Франкуччи да Имола, с 1532 работал при дворе Франциска I. Принимал участие в росписи дворца Фонтенбло, после смерти своего напарника Россо Фьорентино возглавил группу художников, работавших в королевском поместье (так называемая «школа Фонтенбло»). Этот пост он занимал и при следующих королях вплоть до Карла IX Валуа. К концу жизни занялся архитектурой. Чтобы на десять лет увязнуть в кровопролитной войне, в которой, согласно мифам, поучаствовали все кому не лень. Вот так благодаря обычной женской измене началась эта бойня, вошедшая в мировую историю и поглотившая тысячи жизней. Миф гласит, что троянский царевич Парис охмурил Елену Прекрасную и увез ее за тридевять земель от родного мужа Менелая. Прямо в Трою. Менелай – молодой красавец и знаменитый воин – загорелся страстью отмщения и желанием вернуть неверную жену. Тем более что у него теперь не осталось ни кола ни двора. Изменщица во время поспешного бегства успела прихватить все сокровища простодушного Менелая. Возмущенные греки решили вступиться за честь и достоинство своего правителя. Они собрали внушительное войско, сколотили флот и двинулись на ненавистную Трою. Картина изображает семейную сцену: Мадонна с Младенцем играют с Иоанном Крестителем, за ними наречённый муж Святой Марии Святой Иосиф и мать Иоанна Святая Елизавета. Колоннада на заднем фоне в произвольной форме воспроизводит римский амфитеатр в Ниме, который Приматиччо видел во время своего пребывания во Франции. Эту же колоннаду он впоследствии изобразил на рисунке «Мадонна, королева ангелов», хранящемся в Лувре; так же на этом рисунке отмечается и сходство образов персонажей с картиной Повторно колоннаду Приматиччо показал на рисунке «Поклонение пастухов» из собрания Государственных музеев в Берлине. 15 век Клаус Слютер 16 век Корнелис Флорис де Вринде Жан Гужон значительный скульптор Северной Европы XIV—XV веков, один из основоположников северного реализма. В работах Клауса Слютера в полной мере проявляется готический натурализм, его скульптуры пластичны и близки к натуре. Они отличаются монументальными масштабами, даже грандиозностью воплощения. Одно из самых известных произведений Слютера — Колодец Моисея или, как его ещё называют, Колодец предков. Он представляет собой шестигранное подножие Распятия, которое окружено монументальными статуями ветхозаветных пророков: Моисея, Давида, Иеремии, Захарии, Даниила и Исайи. На углах колодца помещены фигуры скорбящих ангелов. Они облачены в широкие одежды, пластично выполненные складки которых ниспадают по контурам фигур. - одно из самых известных произведений мастера. Решение украсить портал церкви монастыря Шартрез де Шаммоль было принято еще при жизни Жана Марвиля. В 1388 году сюда привезли каменные блоки для изготовления статуй донаторов монастыря - Филиппа Бургундского и Маргариты Фландрской. Для размещения статуй Клаус Слютер устроил площадки на выступающих консолях. Подобная установка представляла значительную трудность, но давала новое, необычное художественное и композиционное решение - фигуры отрывались от стены, как бы жили в пространстве. Монастырь был основан бургундскими властителями в честь Богородицы Девы Марии. Именно ее образ стал центром скульптурной композиции. В трактовке Слютера Мария стала не столько символом небесной царицы, сколько образом земной матери - она отличается настоящей женской красотой. Ее тело отклонено назад, чтобы удобнее видеть сына, сидящего на правой руке. В выражении лица Марии, во всей фигуре живет предчувствие горестного будущего ее сына. Слютер работал без отдыха. Образы Христа, Девы Марии, Марии Магдалины, святого Иоанна, как указывают монастырские писцовые книги, он завершил 30 июня 1399 года. Иисус, распятый на кресте, вполне традиционен, в терновом венце, с божественным ореолом. И у подножия креста характерная для подобной композиции сцена: справа безутешная Дева Мария, обратившая взгляд к сыну, слева - святой Иоанн, впереди - святая Магдалина: длинные волосы, падающие на плечо, правая рука вытянута, чтобы обнять крест. К сожалению, от этой скульптурной группы остались только фрагменты. – нидерландский скульптор и архитектор эпохи Позднего Ренессанса. Практически всю жизнь проработал в Антверпене, с 1540 по 1544 года проживал в Риме. В своих постройках ( , ) сочетал классические ренессансные формы с традиционными композициями нидерландских городских готических построек. Выполнил большое число алтарей и надгробий (в Лёвене, Бреде, Кёльне и других городах). Создал собственный, пышный и причудливый, стиль орнаментации, близкий маньеризму, используя полихромию, мотивы гротесков, картуши, гермы, маски, фруктовые гирлянды. Главная постройка Флориса Корнелиса – антверпенская ратуша (Stadhuis van Antwerpen). Антверпен в XVI веке был одним из самых развитых городов Европы. Ратуша должна была отождествлять величие, богатство и образованность жителей города. Поэтому, создавая ее, мастера ориентировались на образцы итальянского Возрождения. Строительство антверпенской ратуши велось с 1561 по 1564 года. Здание построено на площади Гроте-Маркт и объединило в себе стили итальянского Ренессанса и нидерландской готики. Черты эпохи Возрождения видны в горизонтальном решении фасадов, открытой лоджии под крышей, углублениях, которые расположены между окнами. Стилю готики соответствуют форма крыши, выдвинутая вперед центральная часть постройки, оконные рамы в форме креста. Собор в Турне стал и своеобразным «законодателем моды» в средневековой скульптуре Бельгии и Нидерландов. Его замечательное скульптурное убранство, выполненное из голубовато-серого известняка, вызвало к жизни множество французский скульптор и рисовальщик эпохи Возрождения. Первоначальное художественное образование получил во Франции; путешествовал потом по Италии, где изучал античную скульптуру. По возвращении во Францию подчинился влиянию господствовавшего тогда вкуса. Его первое известное произведение – статуя, известная под названием: Наконец, ему принадлежит в Париже начатый при короле Франциске I и оконченный при Генрихе II. По мнению Бернини, этот фонтан есть лучшее произведение французской скульптуры, как по удивительной гармоничности между архитектурною частью и фигурами, так и по изяществу. Статуя эта украшала портал замка Ане. Диана изображена нагой и лежащей с луком в руке, облокотившеюся на шею оленя. Ее куафюра состоит из кос, в которые вплетены драгоценные каменья; возле нее – собака. Эта группа так понравилась королю Генриху II, что он поручил Гужону другие скульптурные работы в замке Ане. Фонтан имеет форму арочного квадратного павильона. Каждая его сторона открывается классической аркой с множеством барельефов, на которых изображены нимфы, тритоны и другие мифические существа. 15 век Франсуа́ Вийон 16 век Франсуа́ Рабле́ Уильям Шекспир Томас Уайетт Анна Бейнс Эразм Роттердамский крупнейший учёный Северного Возрождения, прозванный «князем гуманистов». Подготовил первое издание греческого оригинала Нового Завета с комментариями, положил начало критическому исследованию текста Священных писаний. Способствовал возвращению в культурный обиход литературного наследия античности. Писал преимущественно на латыни. Из сатирических произведений, благодаря которым научно-литературная деятельность его получила широкое общественное значение и обусловила его выдающееся место не только в истории литературы, но и во всеобщей истории, особенно выдающееся значение имеет . Это небольшое сочинение написано было Эразмом, — по его собственным словам, от нечего делать — во время продолжительного, при путях сообщения того времени, переезда его из Италии в Англию в 1509 году. Основная часть литературы на нидерландском языке создавалась редерейкерами - риторами, членами устроенных на цеховой лад объединений любителей театра и литературы. Она сочетала риторическую технику и философские размышления с силой искреннего лиризма. Хотя поэтесса немало своих сочинений посвятила страстной пропаганде преимуществ католической веры и обличению протестантов, лучшие ее произведения связаны с темами любви и описаниями мук души, исстрадавшейся от тщеты и суеты, царящих в мире. Творчество Франсуа Вийона некоторые исследователи относят к культуре средневековья. С хронологической точки зрения это верно, но с эстетической творчество Вийона однозначно принадлежит эпохе Ренессанса. В «Балладе примет» ? одном из поэтических шедевров Вийона, он говорит о знании и понимании жизни. Каждая строфа этого стихотворения завершается фразой: «Я знаю все, но не себя». Я знаю, кто по-щегольски одет, Я знаю, весел кто и кто не в духе, Я знаю тьму кромешную и свет, Я знаю -- у монаха крест на брюхе Я знаю, как трезвонят завирухи, Я знаю, врут они, в трубу трубя, Я знаю, свахи кто, кто повитухи, Я знаю все, но только не себя. Томас Уайетт родился в 1503 году в городе Мейдстоне. Учился в Кембридже; был посланником при дворе Генриха VIII, исполнял дипломатические поручения в Италии, Испании, Франции. Вице-адмирал Уайетт, вместе с Сурреем, принадлежит к основателям новой английской поэзии. Первый английский поэт, обратившийся к сонету. Первоначально его сочинения появились в «Tottel’s Miscellany» (1557) вместе с сочинениями Суррея; позднейшие издания — 1855, 1870. Через двенадцать лет после смерти Томаса Уайетта, в 1554 году, его сын, также носивший имя Томас, возглавил мятеж против дочери Генриха VIII, королевы Марии Тюдор. Целью мятежников являлось свержение католички Марии и восшествие на трон протестантки Елизаветы. Восстание было подавлено, и Томас Уайетт-младший был казнён Личность и творчество Шекспира настолько уникальны, что многие ученые ставили вопрос: является ли второстепенный актер Лондонского театра действительным создателем гениальной драматургии? Это так называемый «шекспировский вопрос». Биография Шекспира очень туманна, и о нем мало что известно. Не было сомнений, что Уильям Шекспир существовал, ему отказывали лишь в авторстве, предполагая, что его имя просто было кем-то куплено, чтобы скрыть собственное. Творчество Шекспира-драматурга делится на 4 периода: Первый период творчества Шекспира относится ко времени расцвета английской гуманистической драмы. Театры имели большую зрительскую аудиторию, их представления были постоянными. В это время Шекспир пишет трилогию «Генрих VI», «Ричард III, две комедии «Комедию ошибок» и «Укрощение строптивой» и раннюю трагедию «Тит Андроник». В это же время им написаны и поэмы. Второй период наиболее плодотворный в творчестве Шекспира. Им написаны хроника «Король Джон», восемь замечательных комедий (назовем только три из них: «Сон в летнюю ночь», «Много шума из ничего», «Двенадцатая ночь») и первая трагедия «Ромео и Джульетта». Тогда же создаются сонеты. Крах гуманистических идеалов проявился у Шекспира в его трагедиях, созданных в третий, лучший период творчества: «Юлий Цезарь», «Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Макбет». В Последний, четвертый период, Шекспир создает свою последнюю хронику «Генрих VIII» и четыре пьесы, относимые исследователями к жанру трагикомедий. В них отсутствует реалистический сюжет, они носят авантюрно-романтический характер. В этих пьесах господствует случай, от него зависит судьба героев, их счастье. Развязка пьес неизменно благополучна. Пережив кризис гуманистического мировоззрения, Шекспир понял, что человек песчинка в мироздании, отданная Всевышним в руки переменчивой фортуны. Однако, утверждает Шекспир своими последними пьесами, жизнь все равно прекрасна и ей надо радоваться. уютно расположился на берегу Темзы в самом центре города. Первоначально он был построен в районе Bankside в 1599 году на средства актеров труппы Lord Chamberlain’s Men, к которой принадлежал и Уильям Шекспир. Премьеры многих пьес великого драматурга прошли именно там. “Глобус” был одним из самых успешных театров Лондона, а Шекспир – одним из его совладельцев, наряду с другими актерами. Как выглядели тогда театры - круглый зал на три тысячи человек, дырка вместо крыши и стоячий партер Один из замечательнейших писателей своей эпохи, Рабле является, вместе с тем, самым верным и живым отражением её; стоя наряду с величайшими сатириками, он занимает почётное место между философами и педагогами. Рабле — вполне человек своего времени, человек Возрождения по своим симпатиям и привязанностям, по своей страннической, почти бродячей жизни, по разнообразию своих сведений и занятий. Все умственное, нравственное и социальное брожение его эпохи отразилось в двух великих его романах. Сатирический роман французского писателя XVI века Франсуа Рабле в пяти книгах о двух добрых великанах-обжорах, отце и сыне. Роман высмеивает многие человеческие пороки, не щадит современные автору государство и церковь. В романе Рабле высмеивает, с одной стороны, многочисленные притязания церкви, а с другой — невежество и лень монахов. Рабле красочно показывает все пороки католического духовенства, которые вызывали массовый протест во время Реформации. 16 век Замок Шамбор Замок Глюксбург Церковь Святого Михаила дворец Фридриха IV Уоллатон-холл 17 век Утрехтский собор Возводить ее начали в 1583 г., но завершили только 14 лет спустя, как раз к всеевропейской смуте. С нее и стартовало победное шествие архитектуры стиля барокко по Германии. Посередине над главным входом бронзовый крылатый архангел Михаил поражает копьем скалящего зубы грозного зверя, символизирующего мировое зло, то есть Реформацию. Оконные проемы обрамлены кремовой лепниной, зрительно облегчающей мощное сооружение Вдоль северной стороны внутреннего двора простирается суровый дворец Фридриха IV, сооруженный в 1601-1607 гг. Дворец менее поврежден, чем другие части замка, и его залы почти полностью восстановлены, включая галерею принцев и королей немецкой империи со времен Карла Великого. Рядом расположена древняя колокольня, датируемая началом 1500-х годов. Высокий фундамент позволил активно использовать подвальное помещение, в нем располагались кухня и кладовые. Кроме того, подвал использовался и в качестве тюрьмы. На первом этаже замка располагались спальни, столовая и гостиная. К угловым комнатам примыкают башни. Бальный зал, расположенный на первом этаже, был декорирован красными обоями, поэтому его назвали красным залом Многочисленные портреты 16 века являются наглядной иллюстрацией истории семей Ольденбурга и Бергер, свидетельствуют о судьбах глюксбургской династии. Замок Глюксбург признан культурным наследием в 1923 году, преобразован в музей и открыт для посещений. - является крупнейшим и самым экстравагантным сооружением Европы, шедевром архитектуры эпохи Возрождения, превосходившим все известные сооружения Франции до строительства Версальского дворца .В архитектуре Шамбора сказалось все величие Ренесанса. Вернувшись из Италии в 1516 году,после взятия Милана , Франциск I выбирает Шамбор для строительства охотничьего замка на месте бывшего крепостного замка. Около 1800рабочих было задейство-вано на его строительстве, завершённого после многочисленных пристроек в 1547 году, уже после смерти короля. один из готических соборов Нидерландов. Он строился начиная с 1254 как кафедральный храм Утрехтской епископии. Высота — 112 м. В 1580 году Реформация взяла верх в Утрехте, и с тех пор собор работает как протестантский, за исключением времен французской оккупации в 1672—1673гг., когда проводились католические службы. В 1674 году незавершённая и не имевшая необходимой прочности центральная часть церкви была разрушена смерчем. В результате башня оказалась отделена от уцелевшей части собора. Последствия разрушения были окончательно устранены только в 1826 году. Император Наполеон в 1811 году разделил имущество церкви и отдал башню в ведение города. один из полдюжины ренессансных (елизаветинских) дворцов, сохранившихся в Англии. Строился под Ноттингемом в 1580-е годы архитектором Робертом Смитсоном для промышленника Фрэнсиса Уиллоби В архитектуре проскальзывают итальянизмы, указывающие на участие в строительстве зодчих с юга Европы. Первоначальные интерьеры сгорели в конце XVIII века, но сохранился старинный орган XVII века
