Венецианская школа живописи

Венецианская школа живописи
Венеция – знаменитая торговая республика, «царица морей». Посредине города проходит Большой
канал, по берегам которого высятся великолепные дворцы и общественные здания. Перед Дворцом
дожей – знаменитая площадь – Пьяцетта. Одну из колонн на площади венчает статуя крылатого льва –
символ евангелиста Марка, покровителя Венеции. Сам Дворец дожей – единственный образец
соединения византийского и готического стилей. Здесь помещалось правительство республики. Справа
от Дворца дожей расположены трехэтажный монетный двор, библиотека и знаменитая кампанилла,
служившая ориентиром входящим в гавань кораблям. На галерее развевался алый флаг с изображением
золотого льва – герба города. Свет, вода и небо – вот что придает Венеции неповторимость.
Живописная школа Венеции впитала в себя чувственное восприятие мира, создала пейзаж.
Венецианцев отличает удивительное чувство колорита.
Только Венеция после кризиса Высокого Возрождения удержала еще на сто лет высоту достигнутого
идеала. Венецианская живопись начала 16 века носила откровенно светский характер. Уже в конце 15
века вместо икон в Венеции появились небольшие станковые картины, удовлетворявшие
индивидуальным вкусам заказчиков. Художников интересует теперь не только человек, но и его
окружение, пейзаж. Великолепный колорит северо-итальянской живописи, яркость, насыщенность и
праздничность цветов картин, гармоничность и мягкость большой палитры тонов превращали работы
венецианских мастеров в усладу для глаз зрителей. Ее знаменитые художники смогли создать свой
неповторимый, живописный стиль, проникнутый чувственной любовью к жизни, а произведения
Тициана стали поистине поразительным свидетельством взлета человеческого духа.
Беллини (1430 – 1516)
Родоначальник венецианской живописи
Его алтарные росписи поражают удивительной гармонией и спокойной торжественностью. Он
создавал прекрасные портреты и картины на мифологические сюжеты. Обогатил живопись элементами
пейзажа.
«Алтарь святого Иова» 1480. Мадонна с младенцем сидит на троне в окружении святых. Лица
младенца и Мадонны обращены к источнику золотистого света, льющегося откуда-то справа. Они
словно черпают духовную силу в этих омывающих их потоках света. Персонажи буквально растворены
в окружающей их обстановке.
Низкий горизонт позволяет видеть сводчатый потолок, нарисованный по законам перспективы.
Созданное Беллини полотно словно вписано в неф собора, а фигуры, написанные в натуральную
величину, как бы находятся среди прихожан. Беллини одним из первых среди итальянцев овладел
техникой масляной живописи. Палитра его теплая, мягкие полутона помогают ощутить объем
нарисованных фигур. Кроме фигуры Богоматери, мы видим многострадального Иова, рядом с ним
апостол Иоанн и Франциск Ассизский, а на правой стороне – Святой Себастьян, пронзенный стрелами.
Ангелы со скрипкой и лютнями создают ощущение звучащей под сводами собора музыки. Это еще раз
нам напоминает, что венецианцы необыкновенно чувственно постигали мир.
Портрет дожа Леонардо Лоредано 1501 г.
Это самый большой из портретов Беллини. На нём изображён шестидесятипятилетний венецианский
патриций, который в 1501 году был избран дожем. В портрете тщательно переданы морщины, детали
одежды. Портрет дожа Леонардо Лоредана был официально заказан Беллини как художнику
Венецианской республики. В этом произведении дож изображен почти фронтально - вопреки
существовавшей традиции изображать лица портретируемых в профиль. Четкие светотени прекрасно
рисуют высокие скулы, нос и упрямый подбородок умного и волевого лица пожилого человека. На
ярком сине-зеленом фоне контрастно выделяется белая с золотом и серебром парчовая мантия. Ее дож
надевал в праздник Сретения - день, когда обручался с морем, принимая на год власть над Венецией.
Работа маслом помогла художнику наполнить воздухом пространство картины и тем самым сделать
образ портретируемого удивительно живым.
Творчеством Джованни Беллини открывается то, что принято называть «золотым веком венецианской
живописи», когда достигло расцвета творчество его учеников или последователей – Джорджоне и
Тициана, а также Тинторетто и Веронезе.
1
Джорджоне (1477 – 1510)
Глубокий лирик, созерцатель мира, создатель реалистического пейзажа в европейской живописи.
Наиболее загадочная фигура среди гениев Венеции Джорджоне родился в небольшом городке
Кастельфранко-Венето недалеко от Венеции. Он был учеником Джованни Беллини и усвоил себе
глубину и блеск его тёплого колорита, даже превзошёл его в этих качествах и первый из всех
итальянских живописцев стал отводить в религиозных, мифологических и исторических картинах
важное место поэтически-придуманному, красивому, не чуждому натуральности пейзажу.
Основной период творческой деятельности Джорджоне приходится на первое десятилетие XVI века.
Техника масляной живописи, к которой обратился Джорджоне, позволяла ему в полной мере передавать
плавные цветовые переходы, насыщенные пятна цвета, сгущающиеся тени и мягкие очертания фигур и
предметов. В этом заметно влияние Леонардо да Винчи.
«Юдифь» (Эрмитаж)
На полотне предстает молодая мечтательная девушка. Но в ее руке тяжелый меч, которым она отрубила
голову врагу своего народа Олоферну. Она как бы удивленно и осторожно наступает на голову врага.
Торжествуют теплые краски, в первую очередь – красный со всеми оттенками. Этот цвет напоминает
нам о пролившейся крови. Ранний рассвет удивительно гармонирует с несколько загадочной картиной.
Сохраняя свойственные искусству Раннего Возрождения ясность объемов и мелодическую
выразительность контуров, Джорджоне с помощью прозрачной светотени добивался зрительного
слияния человеческих фигур с пейзажем.
«Гроза» 1505 г.
Небольшая картина – один из самых загадочных шедевров Возрождения. Впервые в европейской
живописи пейзаж занял главное место на полотне. Загадочен сюжет. На этой большой картине
изображен ручей, несколько руин, деревья и, в глубине, деревня под грозовым с проблесками
молний небом; слева стоит молодой солдат, справа - сидящая обнаженная фигура женщины с
ребенком. Может быть, молодая мать – нимфа, тайно родившая ребенка, но и ее, и ее ребенка, и отца
ребенка (возможно, молодой воин слева) ждала смерть. Об этом напоминают две сломанных колонны
– символ насильственно пресекшейся жизни. Но главное – сама атмосфера приближающейся грозы,
которую еще не видят и не чувствуют персонажи. На заднем плане мы видим совершенно пустынный
город, на крыше которого есть только один обитатель – аист – символ чистоты и целомудрия в
христианстве. Он тоже не чувствует приближения грозы. С этим белым цветом гармонирует белая
рубашка воина и белое покрывало матери. Но подлинным героем «Грозы» является природа, с ее
непредсказуемыми явлениями и изменчивыми состояниями; человек оказывается лишь частью
природы, и даже надвигающийся ураган не может отвлечь его от вечного разговора с самим собой.
«Спящая Венера» 1508 – 1510) Дрезденская галерея.
В 1500 году Джорджоне встретился с Леонардо да Винчи. Эта встреча произвела на него огромное
впечатление. Художник увлекся поиском новых приемов передачи света и тени, воспринял знаменитое
сфумато Леонардо. На основе этих размышлений он создал совершенно новое для того времени
произведение, в котором главное – мягкий лиризм.
Впервые после Боттичелли мы видим изображение обнаженного женского тела. Именно это
произведение станет образцом для бесчисленных подражаний. Глаза богини закрыты: она спит или
грезит. Безупречное тело богини написано очень мягкими линиями, волнистые линии обнаженного тела
отвечают мягким изгибам холмов. Влияние Леонардо чувствуется в мягкой светотени, плавных
очертаниях форм, в передаче складок одежды. Джорджоне полностью овладел техникой масляной
живописи, о чем свидетельствует мастерская игра света и тени на складках ткани. Белая ткань помогает
выделить теплые тона, которыми написано тело. Богиня поразительно вписана в пейзаж, и это
достижение венецианцев станет вскоре общеевропейским. Пустынный город на заднем плане
напоминает нам «Грозу» и создает ту же атмосферу загадочности и недосказанности.
Сохранилось всего пять картин этого молодого гения, который умер от чумы в возрасте 32 лет, но их
достоинства ставят его в ряд величайших живописцев Возрождения.
2
Величайший живописец венецианской школы
Тициан (1488? – 1576)
Этого гения отличали вера в идеалы гуманизма, в волю и разум человека, в его возможности, любовь к
жизни во всех ее проявлениях.
Он родился в небогатой семье к северу от Венеции. Учился в мастерской Беллини вместе с Джорджоне.
Быстро овладел открытиями Раннего Возрождения и вскоре сам стал создавать свой стиль. Уже первые
работы принесли художнику известность.
Идеал земной, телесной красоты и любовь мастера к игре с различными фактурами получили
воплощение в картине «Любовь земная и небесная».
«Динарий кесаря» (Дрезденская галерея)
На небольшой картине мы видим Христа, которого искушаю фарисеи. Они спросили его, должно ли
платить дань кесарю (римскому императору). Кто изображен на монете? – спросил Христос. Кесарь –
ответили ему. Отдавайте кесарю кесарево, а Богу – богово, –ответил Иисус. Перед нами столкновение
благородства и хитрости, алчности, жестокости. Фигуры противопоставлены и цветом: Светлое,
немного бледное благородное лицо Христа противостоит загорелому, хищному лицу фарисея.
Выразительна серьга в ухе последнего. Его руки цепко держат монету, а Иисус мягко показывает на
нее. Колористическое мастерство Тициана
сказывается в том, как написана ткань одежд Христа.
«Вакх и Ариадна» 1522 – 1523 г.
Дочь критского царя Миноса Ариадна встретила на прогулке бога вина Вакха и полюбила его. Он сразу
же влюбился в девушку. Торжеству любви посвящено это мифологическое полотно Тициана.
Внезапная пылкая страсть передана сочетанием сияющих, глубоких красок. Это венецианская
живопись во всем ее блеске. Розовый цвет накидки Вакха и красный пояс Ариадны связывают героев.
Над Ариадной облако закручивается подобно накидке Ариадны, а над Вакхом напоминает положение
его одежды. Гепарды, которыми запряжена колесница Вакха, обмениваются взглядами, повторяющими
взгляды влюбленных. Сатиры и менады с бубнами и рогами сопровождают Вакха, но мысленно он уже
с Ариадной. Фигуры спутников напоминают знаменитые греческие скульптуры: Лаокоона, Атланта
Вверху слева мы видим созвездие Ариадны, в которое превратился ее венец, подброшенный Вакхом.
Античный сюжет передан художником с потрясающей яркостью.
Картину Тициана «Венера Урбинская» (1538, Уффици) можно сопоставить с «Спящей Венерой»
Джорджоне: у Тициана богиня изображена проснувшейся, она полулежит на своем ложе в изысканно
убранной комнате. Прекрасная женщина представлена величавой, исполненной чувства собственного
достоинства, но ее изображение уже не вызывает ощущения тайны, как в картине Джорджоне.
Портрет в творчестве Тициана.
«Павел Третий с племянниками». (45 – 46 гг.)
Это настоящий документ эпохи, на котором запечатлены, с одной стороны – дряхлость,
подозрительность, былая власть и полная старческая слабость, а с другой - эгоизм, лицемерие,
алчность. Точная характеристика при портретном сходстве отличают эту картину, на которой
племянники папы как будто окружили его и ждут, когда же он, наконец, умрет, оставив им наследство.
« Карл Пятый в битве при Мюльберге» (1548 г.) Император заказал Тициану свой портрет в
ознаменование победы, одержанной над протестантами в 1547 году.
Это первый парадный конный портрет в европейской живописи.
Император запечатлен в парадных доспехах, при изображении которых Тициан показывает чудеса
работы с масляной краской. Парадный портрет требовал, чтобы художник изобразил персону при всех
ее регалиях, поэтому Тициан изображает императора с Орденом Золотого руна и алой перевязью. На
заднем плане мы видим подножие гор и грозовое небо, написанные широко и
свободно. Картина поражает колористическим богатством, в чем так сильны были венецианские
мастера.
Поздний Тициан
В поздних картинах художника уже нет прежнего колористического богатства, но именно в них он
достиг наивысшего мастерства. Для него характерны работа более жидкими красками и звучные, как бы
тлеющие изнутри цвета, подчиняющиеся игре света. Метод наложения плотных слоев краски резкими,
3
прерывистыми мазками, смешение которых обретает определенные формы только при взгляде с
достаточного расстояния, обусловил интерес многих художников 19–20 вв. к творчеству мастера. Это
было время трагических размышлений художника о мире и человеке. Такой же период пережил во
второй половине своей жизни Микеланджело. Два полотна передают нам характер поздней живописи
Тициана. Оба они находятся в нашем Эрмитаже.
«Кающаяся Магдалина»
Вечерние, ночные краски. Заплаканные глаза грешницы подняты к небу. Она читает Библию, которая
лежит на черепе. Череп написан удивительно: всего несколько мазков белил по черному фону. Он
напоминает о тленности всего в мире. Рука Магдалины прикрывает тканью обнаженную грудь.
Кажется, что героиня находится где-то в пещере. Кувшин, книга и череп – вот и все убранство ее
жилища. Грозовое небо напоминает о расплате за греховную жизнь.
«Святой Себастьян» – это трагический крик о несовершенстве мира. В последние годы Тициан,
отбрасывая кисть, наносил краску рукой, чтобы передать всю грубость и несовершенство этого мира.
Таков и «Святой Себастьян». Пронзенный стрелами юноша кричит не от боли, а от того, что страшен
мир вокруг него. Какой-то костер слева внизу, темные клубы дыма, желтое грозовое небо на фоне. Нет
уже звонких красок. Вся картина создана в одной, почти монохромной гамме. Подобно Шекспиру,
Тициан поднимается до осознания трагичности этого мира. Огромная жизнь Тициана завершилась в то
время, когда в Европе уже прочно господствовала католическая реакция, но свои творчеством он сумел
сохранить лучшие идеалы Возрождения. Таким, мудрым, верящим в разум человека, в его способности
предстает перед нами художник на своем последнем автопортрете.
Тициан продолжал активно работать до конца жизни, и pieta, которую он написал для собственной
гробницы и которая осталась незаконченной, представляет собой одно из замечательнейших завещаний,
когда-либо оставленных художником миру.
Тинторетто (1518–1594)
Художник родился в Венеции в 1518 г. Своё прозвище Тинторетто получил по профессии отца,
бывшего красильщиком (tintore). Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он
поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер,
как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе
соперника. После выхода из школы Тициана, Тинторетто не перестал, однако, благоговеть перед своим
бывшим наставником и стремился в своих произведениях соединять Тициановские блеск и силу красок
с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как
Микеланджело. Индивидуальный стиль Тинторетто — живая драматичность композиции, смелость
мастерского рисунка, своеобразная живописность в распределении света и теней, теплота и сила красок,
широкий приём письма. Сочиняя и исполняя свои произведения с удивительной лёгкостью, занимаясь
ими день и ночь, Тинторетто приобрел громкую известность наравне с Тицианом и Паоло Веронезе.
Первое крупное произведение Тинторетто, - «Чудо св. Марка» было создано в 1548 г. На картине
представлен драматичный момент, когда палач собирается убить раба молотом. Св. Марк спускается с
неба, и молот чудесным образом ломается на глазах у изумленных палача и судьи. Фигура св. Марка
показана в смелом ракурсе и выделена с помощью цвета и вспышки света. Светлые и темные пятна
оживляют переднюю плоскость картины, контрастируя с бледными тонами дальнего плана. Легкость, с
которой художник манипулирует цветом и светом, типична для живописцев венецианской школы. Все
это Тинторетто дополнил блестящим рисунком и использованием жестких скульптурных форм; эта
черта его стиля близка манере тосканских мастеров, таких, как Мантенья и Микеланджело. "Чудо
святого Марка" - огромное, более пяти метров в ширину, полотно; именно с этого времени фиксируется
привязанность Тинторетто к созданию монументальных картин. Почти все его шедевры сопоставимы
по масштабам с "Чудом св. Марка". На полотне «Обретение мощей апостола Марка» изображены три
благочестивых венецианца, которые обнаружили тело св. Марка и перевезли его из Александрии, чтобы
спасти от сожжения язычниками. В полутемном коридоре, уставленном гробами, св. Марк появляется
над своими мощами, чтобы указать место их погребения. Цвет приглушен и подчинен мистическому
свету, который едва касается краев предметов фосфоресцирующими отблесками. Тинторетто разрушает
симметрию, раздвигает пространство, вносит в произведения какой-то нервный динамизм.
4
На полотне «Распятие» из цикла для Скуола ди Сан Рокко (1565) центральное место занимает образ
Христа, торжествующего над неохватным миром. Изображение распятого Христа оказывается
изолированным и находится в центре большого овала, образованного фигурами палачей и скорбящих.
Картина «Тайная вечеря» была создана между 1592 и 1594. На первый взгляд кажется, что ощущение
чуда затмевается видом пиршества; жанровые детали переданы весьма подробно. Комнату наполняет
сверхъестественный свет, головы Христа и апостолов окружают сияющие ореолы. Фантастическое по
своей природе освещение (характерная черта стиля художника) создает и подчёркивает пространство и
неожиданные изменения в направлениях перспективы. Это полотно можно назвать итоговым
произведением в творчестве Тинторетто.
Паоло Веронезе (1528-1588)
Мастер родился в городе Верона, одном из главных городов, входивших тогда в состав Венецианской
республики. Учился у веронского живописца Антонио Бадиле, которому приходился племянником. С
конца 1540-х годов Веронезе начал работать самостоятельно.
Блестящий талант декоратора,
одаренность колориста проявились в росписях на мифологическую тематику на вилле Соранцо около
Кастельфранко.. Уже в этих работах проявилась праздничность, жизнерадостность, столь характерная
для творчества Веронезе. К началу 1550 года Веронезе - зрелый мастер, готовый к тому, чтобы выйти на
великую венецианскую сцену. В 1553 Веронезе приехал в Венецию для участия в работах по
украшению Дворца дожей. Он выполнил декоративные панно и плафоны в технике масляной живописи
на холсте. После этого продолжал работать главным образом в Венеции, а также исполнял заказы в
Падуе, Вероне, Мантуе и Виченце. Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера
Паоло Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются в картинах художника с изысканной
колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных
светоносным серебристым тоном. . 1560-е годы – период расцвета творчества Веронезе. Его
произведения приобретают все более светский характер: он показывает современную ему Венецию,
архитектуру города, сцены из жизни; его персонажи исполнены горделивого достоинства, роскошно
одеты в современные костюмы. Картины Веронезе наполнены жизнерадостностью, весельем. Часто
живописец обращается к изображению пиров, праздников с обилием ярко одетых людей, со
стремлением к жанровости. Но всегда, несмотря на множество действующих лиц, его картины легко
воспринимаются благодаря стройности композиции. Центральное положение в станковой живописи
Веронезе занимают его монументальные холсты с изображением пиршеств, относящиеся к лучшему
времени его творчества - 1560-м - началу 1570-х гг. Это наиболее содержательные из его полотен.
Художник вводит в них поразительно живые изображения венецианских патрициев в окружении гостей
и слуг, их дворцов с залами и лоджиями, навеянными архитектурными мотивами архитектора Якопо
Сансовино. В знаменитой картине “Брак в Кане”, написанной для трапезной монастыря Сан Джорджо
Маджоре, Веронезе изобразил около 130 фигур, помещая крупнейших живописцев (Тициана,
Тинторетто и даже самого себя) среди пирующих европейских правителей и музыкантов. Смелое
введение Веронезе в свои произведения жизненных наблюдений, жанровых мотивов, портретов
современников стало причиной для обвинения художника инквизицией в излишне светской трактовке
религиозных тем. Во многих масштабных произведениях Веронезе переносил события священной
истории в обстановку современной Венеции: “Пир у Симона Фарисея”, “Пир в доме Левия” и др.
Оплакивание Христа (Гос. Эрмитаж)
На склоне лет, все чаще обращаясь к драматическим темам, Веронезе создал ряд произведений,
посвященных страстям Христовым. Среди них — несколько картин, изображающих оплакивание
Христа. Эрмитажное «Оплакивание» признано одним из лучших полотен художника. Он сделал
композицию лаконичной и простой, что усилило выразительность составляющих ее трех фигур:
мертвого Христа, склоненной над ним богоматери и ангела. Неяркие приглушенные краски сочетаются
в красивую гамму зеленоватых, лиловато-вишневых, серо-белых тонов, мягко переливающихся в светах
и как бы угасающих в тенях.
Творчество Паоло Веронезе завершает искусство эпохи позднего Возрождения.
5