Японская живопись

Японская живопись
Японская живопись весьма разнообразна как по содержанию, так и по формам. Это
настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки,
исполнявшиеся на шелке и бумаге, альбомные листы и веера.
О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных
документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к
периоду Нара (645—794) — это росписи храма Хорюдзи. Исполненные гибкими линиями,
с легкой подкраской, они перекликаются с индийскими и китайскими образцами. В
период Хэйан (794—1185) в буддийской живописи получили широкое распространение
иконы-мандалы, представляющие собой символические схемы мироздания. К этому же
периоду относятся первые образцы светской живописи, представленные в горизонтальных
свитках, иллюстрирующих аристократические повести и романы. Наиболее известное
произведение этого рода — иллюстрации знаменитой «Повести о Гендзи» (Гендзимоногатари), авторство которой принадлежит писательнице Мурасаки Сикибу.
Иллюстрации были выполнены на десяти горизонтальных свитках и дополнены текстом.
Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина XII в.).
Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом
аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях
материальной и духовной жизни свойственное им очарование, подчас неуловимое и
ускользающее. Произведения живописи того времени, получившей впоследствии
название «ямато-э» (в буквальном переводе — «японская живопись»), не столько следуют
развитию действия, сколько стремятся раскрыть элегически-грустное настроение героев.
Это проявляется в застывших силуэтах фигур и специфическом коричневато-бирюзовом
колорите.
Когда в конце XII века к власти пришли суровые и мужественные представители
военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской эпохи. В художественных
ценностях произошел сдвиг от изящности и аристократической рафинированности
позднего Хэйан к прагматичности и аскетичности во вкусе новых правителей Камакура. В
живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических
эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской религии, сцены
сражений воинов. Распространились также портреты военачальников и монахов.
Последние, служившие символом невербальной связи между учителем и учеником,
занимали важное место в храмах, наряду с живописью и скульптурой. Одно из самых
популярных изображений — портреты Бодхидхармы, монаха, пришедшего в V веке из
Индии и основавшего китайскую секту чань; он стал легендарным основателем плеяды
патриархов дзэн. В самом «непочтительном» стиле Бодхидхарма часто изображается с
большой долей юмора, что порицалось традиционными буддийскими школами.
Спонтанная живопись тушью по белой бумаге пришла из Китая, однако спонтанность,
юмор и натуралистические элементы были привнесены японской традицией.
В период Муромати (1333—1573) под воздействием учения секты Дзэн с его особым
вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись (первоначально под
влиянием китайских образцов). В течение полутора веков японские художники осваивали
китайскую художественную систему, сделав монохромную пейзажную живопись
достоянием национального искусства. Ее наивысший расцвет связан с именем
выдающегося мастера Тоё Ода (1420—1506), больше известного под псевдонимом Сэссю.
Первые свои работы Сэссю создал во время своего путешествия по Китаю. Позднее, уже
на родине, в «Длинном свитке пейзажей» художник обрел собственный взгляд на мир и
свой особый живописный почерк. В своих пейзажах Сэссю, пользуясь одними лишь
тончайшими оттенками черной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы
и ее бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны,
пронизывающий ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.
Наследие национальной живописи «ямато-э» получило развитие в росписях на
свитках, ширмах, перегородках и т.п., для которых характерно сочетание общего условнодекоративного характера композиции (плоскостные фоны, нередко золотые, тщательно
прорисованные контуры) — с подчеркнуто правдоподобным изображением отдельных
мотивов.
В период Момояма (1573—1614) декоративная живопись получает дальнейшее
развитие, широкое распространение получают настенные росписи, украсившие дворцы
правителей страны и крупных феодалов. Крупнейшим мастером декоративной живописи
был знаменитый Кано Эйтоку, живший во второй половине XVI в. На одном из немногих
сохранившихся его произведений — «Кипарис» — изображен мощный ствол гигантского
дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы. Золотой фон подчеркивает яркость
красок, делает их более звучными.
В период Эдо (1614—1868) достигли расцвета различные школы монохромной
живописи. В развитии декоративной живописи важную роль сыграла так называемая
школа Сотацу — Корин. Заслугой ее выдающихся мастеров Таварая Сотацу и Огата
Корин стало то, что они соединили технику традиционной живописи на свитках с
приемами настенных росписей предшествующего столетия. Живопись этих художников
тяготела к литературным сюжетам прошлых веков, передавала лирические переживания
героев, но одновременно была зрелищной, что отвечало вкусам того времени (Таварая
Сотацу. «Бог ветра», Огата Корин. «Волны в заливе Мацусима»).
Важнейшим видом изобразительного искусства, возникшим в эпоху позднего
Средневековья, была гравюра на дереве. Гравюру, как и жанровую живопись, называли
«укиё-э» (буквально: «картины повседневного мира»). В создании гравюры, помимо
художника, который создавал рисунок и писал свое имя на готовом листе, участвовали
резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, и ее раскрашивал от руки сам
художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в 1765 г. художник
Судзуки Харунобу (1725—1770) впервые применил многоцветную печать. Для этого
резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из
древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал
необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры.
Иногда их было больше тридцати. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на
особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы добиться точного
совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных досок.
В искусстве гравюры выделялись два основных направления: театральная гравюра,
изображавшая актеров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и
бытописательная гравюра, посвященная изображению красавиц и сцен из их жизни.
Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тёсюсай Сяраку, изображавший
лица актеров крупным планом, подчеркивая особенности исполнявшейся ими роли,
характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх,
жестокость, коварство (Тёсюсай Сяраку. Гравюра из серии «Актеры театра Кабуки»).
Основной прием Тёсюсай Сяраку — гротеск, преувеличение — создавал впечатление
внутренней напряженности и экспрессии его героев (Тёсюсай Сяраку. Гравюра из серии
«Актеры театра Кабуки»).
Основоположниками бытописательной гравюры были выдающиеся художники
Судзуки Харунобу («Чтение») и Китагава Утамаро (1753—1806). Утамаро был создателем
женских образов, воплощавших национальный идеал красоты («Женщина перед
зеркалом»). В сериях его гравюр на темы из жизни женщин — «Соревнование в
верности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви», «Прекраснейшие женщины
современности» и др. — как правило, нет повествования, действия. Его героини как будто
застыли на мгновенье и кажется, что в следующий миг они продолжат свое плавное
грациозное движение. Но эта пауза — наиболее выразительный момент, когда наклон
головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувство, которым они живут (Китагава
Утамаро. Гравюра из серии «Прекраснейшие женщины современности»).
Самым известным мастером гравюры конца XVIII — первой половины XIX вв. был
гениальный художник Кацусика Хокусай (1760—1849). Его искусству свойственны
невиданный по широте охват всех явлений жизни, интерес ко всем ее проявлениям — от
незатейливой уличной сценки до величественных и грозных природных стихий (Кацусика
Хокусай. «Водяная мельница в Ондене»). Творчество Хокусай основывается на
многовековой живописной культуре Японии. Хокусай изучал также творчество старых
китайских мастеров, был знаком с европейской гравюрой. Мастер исполнил более
тридцати тысяч рисунков и проиллюстрировал около пятисот книг. Будучи уже
семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных своих
произведений — серию «Тридцать шесть видов Фудзи» («Большая волна в Канагава». Из
серии «Тридцать шесть видов Фудзи»), позволяющую поставить его в один ряд с самыми
выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи —
национальный символ Японии — из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ
родины и образ народа в их единстве. Новаторство Хокусай — в самой сути его искусства,
его глубинной содержательности, связях со своим временем. Художник увидел жизнь как
единый процесс во всем многообразии ее проявлений, начиная от простых чувств
человека, его повседневной деятельности и кончая окружающей природой с ее стихиями и
красотой («Южный ветер. Ясный день (Красная Фудзи)». Из серии «Тридцать шесть
видов Фудзи»). Творчество Хокусай, вобравшее в себя многовековой опыт искусства
своего народа, — вершина в художественной культуре средневековой Японии, ее
замечательный итог.
Расцвет пейзажного жанра связан также с именем Андо Хиросигэ (1797—1858),
признанного мастера цветной ксилографии, младшего современника Кацусика Хокусай. В
отличие от последнего, выработавшего характерный тип эпического японского пейзажа,
Андо Хиросигэ в своих произведениях воплотил камерный, лирический образ
национальной природы («Сливовый сад в Камэйдо». Из серии «Сто знаменитых видов
Эдо»; «Станция Ёккаити. На реке Миягава». Из серии «Пятьдесят три станции Токайдо»).