Искусство Франции в 17 веке

Искусство Франции в 17 веке
Ансамбль Версаля (1668 – 1689)
Идея, зародившаяся еще в эпоху Возрождения, что можно построить правильный город,
наиболее полно стала воплощаться во Франции, где культ разума, влияние Академии
привели к поиску абсолютно геометрически правильно построенных ансамблей. Само
абсолютистское государство Людовика 14 было отражением этой идеи.
Париж всегда воплощал для французских королей дух своевольства, ненавистной
самостоятельности, поэтому главную резиденцию стали строить в 17 км к юго-западу от
Парижа. К работам были привлечены архитекторы, скульпторы, художники, мастера
прикладного искусства.
В начале 17 века на этом месте стоял небольшой охотничий замок Людовика 13. Главная
идея нового Версаля – идея централизованного ансамбля, отражение идеи
централизованного государства. Версаль – это правильно распланированный город,
дворец, регулярный парк. Все это должно быть соединено дорогами со всей страной.
Главными архитекторами Версаля стали Андре Ленотр, Луи Лево, Жюль Ардуэн Мансар.
План Версаля. Вытянутая горизонталь дворца господствует над всей местностью. Со
стороны Парижа перед дворцом расположены Почетный и Мраморный дворы. С площади
от дворца три лучевых проспекта ведут к разным частям страны. Средний – в Париж. По
другую сторону дворца проспект переходит в главную королевскую аллею парка, которая
завершается большим бассейном. Таким образом фасад дворца образует горизонталь под
прямым углом к оси. Все корпуса фасада дворца со стороны парка имеют одинаковую
высоту, что созвучно плоскости парка. Со стороны города фасад дворца сохраняет черты
17 века.
Интерьер
В центральном корпусе дворца расположены залы для приемов и балов. Главенствует
знаменитая Зеркальная галерея, протянувшаяся на 73 метра. По бокам – Залы Войны и
Мира. К спальне короля вела анфилада парадных помещений. Плафоны расписаны
помпезными образами, прославляющими Людовика 14. Интерьер дворца богато украшен
мебелью с инкрустацией, мозаикой с использованием различных пород дерева, панциря
черепахи, бронзы, перламутра, слоновой кости. Из окон Зеркального зала открывается вид
на перспективу парка с веерообразной композицией и все более ширящимся
пространством. Спускаются вниз террасы, уходят вдаль аллеи, все завершает зеркало
Большого канала.
Все подчиняет природу разуму: прямые линии, гладкие плоскости, водоемы,
подстриженные деревья, клумбы.
Парк богато украшен статуями, скульптурными группами, рельефом, фонтанными
композициями. Это изображение божеств лесов, рек Франции, полей, аллегории времен
года. Фонтаны извергают каскады воды, в водных партерах вода ложится зеркальной
плоскостью.
Ансамбль Версаля стал классическим образцом регулярного, или французского парка.
Именно по этому образцу создавались прославленные ансамбли Петергофа, Царского
Села, Павловска в России, Сан-Суси под Берлином. Огромное кол-во усадебных парков в
имениях богатейших вельмож в России: Шереметевых, Потемкина, Юсупова: Останкино
и Кусково, Архангельское и Таврический дворец и многие другие.
Английский (пейзажный) парк.
В 18 веке сложился другой тип парка: с тенистыми аллеями, группами свободно растущих
деревьев, извивами ручья или речки, с неправильной формы водоемами, отражавшими
зелень, старые засохшие деревья, укромные уголки, камни – все, что пробуждало
мечтательность, любовь к естественной природе.
1
Классицизм
В 30 годы 17 века во Франции сложились общенациональные идеалы классицизма. В
центре проблематики классицизма – отношения человека и общественной среды.
Классицизм проповедовал образ разумного мужественного человека, сознающего свой
общественный долг. Идеал общественной жизни классицисты видели в устройстве
общества в Древней Греции и в республиканском Риме.
Никола Пуссен (1594 – 1665)
Основоположник классицизма в живописи. Художник признавал только искусство
большой идеи, глубокой мысли и чувства. Сюжеты для своих произведений он черпал
из Античности, древней истории, Библии, Ренессанса. Пуссена привлекали пасторали,
картины, изображающие «Золотой век». Большую часть своей жизни он провел в Риме,
где вдохновлялся античными рельефами.
«Спящая Венера» (1620-ые)
На картине передано ощущение полноты бытия, влюбленность художника в жизнь. В
богине все исполнено грации, свежести, жизнелюбия. Но сон ее тревожен, поза
беспокойна. Венера Пуссена земная, но недосягаемая, как идеал. Светлый тон тела
богини, четкий силуэт выделяет ее в пейзаже. Тона картины темные, оливковые,
золотистые, оранжевые. Это передает ощущение предгрозового вечера.
«Танкред и Эрминия» (1630-ые) Эрмитаж.
Эпизод из поэмы Торквато Тассо «Освобожденный Иерусалим». Амазонка Эрминия,
сражавшаяся против рыцарей, на дороге увидела раненного крестоносца Танкреда. В ней
пробуждается любовь к врагу. На картине мы видим в лице героини одновременно страх
и надежду, она взволнованна и решительна. Страстной Эрминии противопоставлен
теряющий силы Танкред и сосредоточенный оруженосец. Сверкают серебристо-синие
одежды, развеваются и вторят движению героини. Красные отсветы заката
воспринимаются как отзвуки недавних грозных сражений за Иерусалим и как пламя
проснувшейся страсти. Особую роль играет язык жестов, движений, создающий
гармонический мир. Картину отличает строгая композиция, четкая организация трех
планов, ясные, четкие контуры, локальные цвета
Пуссен стал создателем героического пейзажа. Перед нами на его полотнах образ
природы, полный драматизма, но всегда приходящий к гармонии.
Художник выбирал средний горизонт на уровне стоящего человека. На его полотнах
местности, где взгляд охватывает обширные пространства: равнины, горные массивы и
скалы, морские просторы. Прозрачен воздух, поэтому объемы кристально чисты.
«Танец под музыку времени» (1638 г.)
В основе сложной аллегорической картины лежат размышления о времени, судьбе и
сложностях жизни. Картина обращена в первую очередь к разуму зрителя, а не к его
чувствам.
Четыре танцующие фигуры олицетворяют Богатство, Наслаждение, Трудолюбие и
Бедность. Крайняя фигура слева – Наслаждение. На ней изящные сандалии и венок из роз.
Взглядом она призывает зрителя к танцу. Справа от нее юноша – Трудолюбие. Его голову
венчает лавровый венок, а взгляд обращен к Богатству. Это третья фигура. Ее волосы
перевиты ниткой жемчуга. Она так же обута, как Наслаждение. Богатство крепко держит
за руку Наслаждение, но очень робко протягивает руку босоногой Бедности. Бедность
пытается коснуться руки Богатства, но та ускользает. Малыш слева пускает мыльные
пузыри – символ быстротечности жизни. Слева каменное изваяние двуликого бога Януса.
Он символизирует постоянное, ведь сам он из камня, ив то же время - сиюминутное, его
изваяние украшено недолговечными цветами. Малыш справа держит песочные часы,
которые быстро отчитывают ход времени. Крылатый старик – это и есть Отец-Время, под
2
музыку которого все кружатся. Танцующие образуют круг, который напоминает колесо
фортуны. Смысл в том, что человек в разные периоды своей жизни попадает во все четыре
состояния. Голубой цвет на картине заставляет взгляд двигаться по кругу. По небу мчится
колесница Аполлона, В руках бога обод – знак вечности. Его сопровождают богини
времен года. Впереди богиня утра – Аврора, рассыпающая на своем пути цветы. Круг
танца на картине вписан в треугольник – эта четкость мысли художника напоминает нам
о принципах живописи Пуссена.
«Пейзаж с Полифемом» (1649 г.) Эрмитаж.
Одно из самых совершенных полотен Пуссена, в основе которого лежит сюжет из
«Метаморфоз» Овидия. Нимфа Галатея влюбилась в юношу Ациса и при этом она
покорила своей красотой великана-Циклопа Полифема. На картине мы видим вечно
играющего на свирели влюбленного Полифема, который олицетворяет согласие
природных сил. В композиции строго симметричны правая и левая сторона. Очертания
скалы слева почти повторяются в силуэте дерева справа. Гора Полифема – в центре. Так
образовывается правильный треугольник с вершиной – Полифемом. Это идея античной
красоты и соразмерности.
Интересны 4 плана картины. Первый план – это речное божество, нимфы и сатиры.
Второй – люди, возделывающие поля. Третий – скалистый берег моря с Полифемом.
Четвертый – море и город на побережье. Первый план символизирует природные силы и
соотнесен с третьим -–тоже природными силами. Одновременно первый план напоминает
фриз как бы огромного храма, благословляющего природу. Второй и четвертый планы –
цивилизация, люди – второстепенные персонажи полотна. Циклоп как бы сливается со
скалой. Контуры облаков над ним словно продолжают льющуюся музыку. Цвета картины
– синий и зеленый – умиротворенная природа, чередуются светлые и темные пятна. Цель
картины – вглядывание в природу и созерцание ее.
«Аркадские пастухи» (1638)
В искусстве идеальная страна Аркадия – традиционный символ земного рая, где не
существует мирских забот. Но Пуссен, переживший душевный кризис, усложнил мотив
Аркадии. Юные пастухи, склонившиеся над гробницей, осознают неотвратимость смерти.
Тень ложится на могильную плиту, по которой, разбирая эпитафию, водит пальцем один
из пастухов. На плите надпись по-латыни: «И я был в Аркадии». То есть: и я был когда-то
молод. Но, даже обнаружив символ смерти, пастухи сохраняют достоинство. Картина
напоминает сцену классицистического театра, где соблюдены единство места, времени и
действия. Перед тем, как приступить к картине, Пуссен делал модель будущего полотна,
расставлял восковые фигурки, увеличивал их в размерах и тогда зарисовывал. Красочная
гамма картины напоминает об увлечении Пуссена венецианской живописью. Свет
ложится ровно и тепло, создавая задумчиво-меланхолическое настроение. Композиция
картины тщательно выверена: господствуют вертикальные и горизонтальные линии в
пейзаже, в позах пастухов, в их жестах. Взгляды и жесты пастухов должны привлечь
внимание к центру композиции – надписи на плите. И надо всем в картине господствует
безупречный рисунок, без которого, как считал Пуссен, разум не воспримет картину.
Творчество великого художника оказало огромное влияние на живопись Франции. На
принципах Пуссена была организована Академия живописи и ваяния в 1648 году, влияние
Пуссена чувствуется в произведениях Давида, Энгра, Сезанна.
Клод Лоррен (1600 – 1682)
Создатель идиллического пейзажа классицизма, друг Пуссена, французский художник
Клод Лоррен большую часть жизни прожил в Италии. Лоррен призывает своего зрителя
неторопливо пройти под пышными кронами деревьев по тропинкам и мостам,
насладиться природой.
«Похищение Европы» ГМИ
На первый взгляд, мы не видим никакого драматизма в произведении. Где здесь
похищение? Мирное шествие девушек в античных нарядах, одна из них спокойно едет на
3
быке. Цвета одежд девушек и белое пятно цвета быка выделяют эту группу из пейзажа
Это – Европа, которую скоро похитит Зевс, принявший облик белоснежного быка.
Картина развивает любимую художником мысль о путешествиях. Почти на всех полотнах
Лоррена мы видим корабли, напоминающие о далеких странах и манящих путешествиях.
Лоррен был мастером в передаче световоздушной среды. Лоррен постепенно ослабляет
яркие цвета первого плана. Чем дальше вглубь пространства, тем бледнее становится свет,
так как между нами и предметами дальнего плана появляется толща воздуха. Такой прием
и называется воздушной перспективой. Деревья справа и слева служат как бы кулисами
для театрально развивающегося действия. Он любил изображать одни и те же виды при
разном освещении. Любил раннее утро или вечер, когда свет особенно переменчив.
Первый ввел солнце как источник света на картине. На всех полотнах Лоррена мы
видим морскую стихию, в которую он был влюблен.
Все эти законы мы можем видеть и на картине «Бракосочетание Исаака и Ревекки»,
где Исаак, сын Авраама, женится на Ревекке из Месопотамии. На картине они
изображены справа в виде пляшущей молодой четы.
Во времена Лоррена пейзаж сам по себе еще не ценился, а исторический жанр считался
наиболее достойным художника, поэтому свой пейзаж Лоррен дополнил Библейским
сюжетом.
Жорж де Ла Тур (1593 – 1652)
«Живописец ночей» – так называли этого французского художника, имя которого было
надолго забыто. Полотна де Ла Тура суровы и эпичны, художник противопоставлял свою
манеру изысканности и манерности.
Его герои сдержанны, просты и суровы. Они погружены в самосозерцание, замкнуты.
Главной темой художника стало трактование религиозных сюжетов в бытовом плане, как
сцен из жизни крестьян. Сам он всю жизнь прожил в Лотарингии, в Люневиле.
Колорит картин де ля Тура красно-кирпичный, желтоватый, оранжевые тона преобладают.
Часто он изображает свет свечей, ночной сумрак. Любое явление жизни для него полно
значения, тайны, эпически величественно.
Он создал целый ряд религиозных сюжетов: «Рождество», «Иов и его жена»,
«Скорбящая Магдалина», «Явление ангела Св. Иосифу», «Мученичество Св.
Себастьяна».
Любой сюжет он воспринимает как реальность, но находит в нем поэтичность и красоту.
Персонажи его религиозных полотен по облику и костюмам – лотарингские крестьяне. В
выражении чувств они сдержанны, но полны сочувствия. Без ангельских нимбов и других
религиозных атрибутов он добивается передачи значительности событий, их важности.
«Скорбящая Магдалина»
Замечателен своеобразный натюрморт на столе: Библия, распятие, плеть, горящий
светильник. Ровное, неколебимое пламя свечи сумрачно-тревожно и сродни душевной
силе и стойкости героини. Резкие световые контрасты четко выявляют форму предметов.
Цвет дается широкими плоскостями. Так рождается монументальность, значительность
изображенного. Любимая тема художника – свеча, светильник, пламя, факел. Именно
эффекты освещения создают эмоциональный строй произведения.
Контраст света и тьмы создает ощущение драматизма на картинах. Во всем этом есть
особая тайна, чары, тревога, нечто сокровенное.
«Мученичество Св. Себастьяна» (1649) – высший взлет художественного гения Ла Тура.
Сюжет: христианка Ирина и ее спутницы находят еще живого Себастьяна. На картине он
пронзен только одной стрелой. Капля крови застыла на груди. Женщины напоминают
процессию плакальщиц со старых французских надгробий. Ритм фигур рождает
впечатление торжественного и скорбного шествия. Группа скульптурна, контрасты света
и тени как бы гранят объемы. Вся картина превращается в строгий и просветленный
реквием.
4