МХК 8 класс
реклама
ХУДОЖЕСВЕННАЯ КУЛЬТУРА ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ XVII-XVIII вв. АНГЛИЯ. ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ДЖОНАТАНА СВИФТА (1667-1745). (учебник стр.206-211). Джонатан Свифт (1667-1745) родился в ирландском городе Дублин в небогатой протестантской семье. Отец, мелкий судейский чиновник, умер, когда сын ещё не родился, оставив семью (жену, дочь и сына) в бедственном положении. Поэтому воспитанием мальчика занимался дядя Годвин, с матерью Джонатан почти не встречался. После школы он поступил в Тринити-колледж Дублинского университета (1682), который закончил в 1686 году. В результате обучения Свифт получил степень бакалавра и пожизненное скептическое отношение к научным премудростям. Ирландец по происхождению, богослов по образованию, Свифт отдал все свои силы и свой талант делу защиты угнетенной родины. Свифт сатирически отображает английское общество в своих произведениях. В связи с гражданской войной, начавшейся в Ирландии после свержения короля Якова II (1688), Свифт уехал в Англию, где пробыл 2 года. В 1690 году он вернулся в Ирландию. Именно в эти годы Свифт начинает литературное творчество, сначала как поэт. В 1692 году Свифт получил звание магистра в Оксфорде, а в 1694 году принял духовный сан англиканской церкви. Он был назначен священником в ирландский посёлок Килрут (англ. Kilroot). Однако вскоре Свифт, по его собственным словам, «утомившись своими обязанностями за несколько месяцев», вернулся на службу. В 1700 году он назначен служителем (пребендарием) собора Святого Патрика в Дублине. В этот период он публикует несколько анонимных памфлетов. Современники сразу отметили особенности сатирического стиля Свифта: яркость, бескомпромиссность, отсутствие прямой проповеди — автор иронически описывает события, оставляя выводы на усмотрение читателя. В 1702 году Свифт получил степень доктора богословия в Тринити-колледже. Сближается с оппозиционной партией вигов. Авторитет Свифта как писателя и мыслителя растёт. В эти годы Свифт часто посещает Англию, заводит знакомства в литературных кругах. Издаёт (анонимно, под одной обложкой) «Сказку бочки» и «Битву книг» (написаны в 1697-98 гг., издана 1704); первая из них снабжена многозначительным подзаголовком, который можно отнести ко всему творчеству Свифта: «Написано ради общего совершенствования рода человеческого». Книга сразу становится популярной и в первый же год выходит тремя изданиями. Отметим, что почти все произведения Свифта выходили под разными псевдонимами или вообще анонимно, хотя его авторство обычно не составляло секрета. «Сказка о бочке» антирелигиозное произведение. Хотя официально «Сказка о бочке» направлена против католичества и пуританства – двух крайностей в религии, но, по меткому выражению Вольтера, «розги Свифта настолько длинны, что он задевает отца, когда сечет сыновей». До сих пор это произведение входит в список книг, запрещенных Ватиканом. В 1726 г. Вышла из печати книга, принесшая Свифту мировую славу – роман «Путешествия Лемюэля Гулливера в некоторые отдаленные страны света, вначале хирурга, а затем капитана нескольких кораблей». Это литературное произведение, посвященное путешествиям Гулливера в фантастических странах, развивало одновременно еще жанр роман-путешествия, и традиции реалистической фантастики, и социальной сатиры. В 1726 году выходят первые два тома «Путешествий Гулливера» (без указания имени настоящего автора); остальные два были опубликованы в следующем году. Книга, несколько подпорченная цензурой, пользуется невиданным успехом. За несколько месяцев она переиздавалась трижды, вскоре появились её переводы на другие языки. Роман делится на четыре части. В первой части книги описывается путешествие Гулливера к лилипутам в их враждующие государства Лилипутию и Блефуску. Свифт сатирически рисует придворный мир, интриги министров, борьбу парламентских партий Англии и Франции. В философском отношении роман представляет развитие идей и теории Локка о постоянно расширяющимся опыте, обогащающий разум человека в течение всей его жизни. Гулливера в царстве лилипутов считают человеком непомерной храбрости и мощи, а в стране великанов он оказывается жалким и ничтожным существом. Последние две части «Путешествия Гулливера», написанные в 20-е гг. XVIII в., представляют дальнейшее углубление социальной сатиры Свифта. Они поражают своим мрачным колоритом, страстным пафосом обличения, резко отличаясь от более мягких первых двух частей. События в Ирландии, напряженная политическая борьба за независимость ирландского народа, которую возглавил Свифт, толкнули его на создание двух частей с социальным обличением и выдвижением некоторых положительных идеалов. В третьей части Свифт высказал все накипевшие, гневные, скорбные мысли. Самое путешествие Гулливера охватывает множество стран, а не одну, как в других частях. Летающий остров и академия прожекторов в Лапуте, беседы с призраками в Глаббдобдрибе, несчастная судьба бессмертных струльдбругов, колониальная и торговая политика англичан – вот многочисленные вопросы, на которых останавливается Свифт в этой части, давая полную волю своему гневу и едкому остроумию. В четвертой части, в которой Гулливер попадает к гуингам, автор как бы подводит итоги размышлениям о современном ему обществе. В центре внимания здесь стоят отвратительные фигуры обезьяноподобных людей – иеху, утративших красоту, достоинство и разум человека. «Я наполнился мрачными мыслями при виде вырождения человечества за последнее столетие», - пишет Свифт. Полную противоположность иеху и, следовательно, неразумным, лживым, тщеславным, жестоким людям являют собой гуингмы – лошади, обладающие интеллектом, душевной широтой и добротой. Гулливер в романе выступает как человек пытливого ума и самых серьезных запросов. В любой стране он внимательно изучает обычаи, нравы и учреждения. «Путешествие Гулливера» представляют собой ценнейший вклад в сокровищницу мировой литературы. В последние годы Свифт страдал от серьёзного душевного расстройства; в одном из писем он упоминал «смертельную скорбь», убивающую его тело и душу. В 1742 году после инсульта Свифт потерял речь и (частично) умственные способности, после чего был признан недееспособным. Три года спустя (1745) Свифт скончался. Похоронен в центральном нефе своего собора, эпитафию на надгробной плите он сам сочинил заранее, ещё в 1740 году, в тексте завещания: «Здесь покоится тело Джонатана Свифта, декана этого собора, и суровое негодование уже не раздирает его сердце. Ступай, путник, и подражай, если можешь, тому, кто мужественно боролся за дело свободы». ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО УЛЬЯМА ХОГАРТА.(1697-1764). (учебник стр.212-217). «…Рисуй Хогарт этих дураков, а я буду их осмеивать» Дж. Свифт. Характерной особенностью развития английской живописи эпохи Просвещения был всеобщий интерес к жанру портрета. Даже те художники, чьи интересы лежали в других жанровых плоскостях, непременно обращались к портрету. Изобразительное искусство следовало за философией и эстетикой и развивало три основных направления: рационалистическое, основанное на непосредственном наблюдении жизни, романтические и сатирическое, связанное с критическим взглядом на окружающую действительность. Удивительным мастером, в творчестве которого можно видеть отражение всех этих трех направлений, Уильям Хогарт. Проявляя с детства интерес к рисованию, юный Уильям в 1713 г. становится учеником гравера по серебру Геймбла, а в 1720 г. поступает в академию Торнхилла, который произвел на него огромное впечатление своими росписями в барочном стиле. На становление художественной манеры Хогарта повлияло творчество Ватто, голландских художников, особенно Стена, и французских представителей рококо. Вместе с тем Хогарт ищет свой путь в искусстве, который находит в результате внутреннего противоборства барокко и классицизма. В творчестве Уильяма Хогарта (1697-1764) исследователи английского искусства неизменно отмечают перекличку с английской литературой. Вслед за Смоллеттом, Филдингом и Ричардсоном, чьи произведения полны критики и назидательности, художник считает, что его сюжетные произведения должны не только развлекать, но также развивать ум, укреплять нравственность и ‘служить общественной пользе’. Хогарт явился предтечей критического реализма в живописи, мастером сатирических образов и, по существу, стал первым крупным художником национальной английской школы. Мастер живописи и гравюры, Хогарт создавал серии эстампов, продолжавших жизнь героев его живописи произведений («Модный брак», «Карьера мота», «Прилежание и леность»). Хогарт мыслил и работал как драматург – он создавал словесные комментарии к своим полотнам, давал имена их героям и определял характеры. Театральность Хогарта заключается, прежде всего, в развернутости его композиций во времени и пространстве. Подобно театральному искусству, его композиции построены по правилам сценического пространства, где фигуры – актеры. Их движения, на миг остановленные живописцем, воплощают в себе внутренний смысл сюжета. Многие произведения собраны в циклы и представляют собой основные события из жизни персонажа («Карьера проститутки» 6 картин 1730-31; «Карьера мота», 8 картин, 1732-35; «Модный брак» 6 картин, 1642-45). В них безжалостно показаны распущенность и корысть высших слоев общества и нищета, дикость городской бедноты. Сопоставление героев и предметов интерьера дает возможность более полно осмыслить события. Уже в этих полотнах проявляется необыкновенный дар мастера- колориста, выраженный в свежести и изысканности красок. Неприятием постоянного пьянства простолюдинов проникнута гравюра «переулок Джина» (1751) (в серии «Выборы в парламент», 4 картины 1753-54) художник резко выступает против продажности и грязных махинаций представителей власти. Чтобы обеспечить своим работам большую эффективность и более долгую жизнь, Хогарт переводит многие серии в граверы. Работы Хогарта не раз вызывали критику тех, кто ратовал за «хороший» вкус и необходимость следовать классическим образцам. В ответ, в 1753 г. Хогарт создает трактат «Анализ красоты», адресуя его самому широкому кругу зрителей и читателей. Обращаясь в своем творчестве к жизни современной ему Англии, Хогарт беспощадно критикует все ее отрицательные стороны. Серии его гравюр «Четыре времени суток», «Спящие прихожане», «Суд» содержат открытую полемику с аристократической эстетикой классицизма. В трактате Хогарт пропагандирует отказ от жестких правил в искусстве и первостепенную роль натуры в создании художественного произведения. Его обращение к эстетике «уродливого» является фактом, важным для всего европейского искусства. Добавим, что в 1757 г. Хогард был назначен «главным художником короля». Положительный идеал художника находит свое воплощение в созданных им портретах 1740-50-х гг., написанных с великолепным живописным мастерством («Портрет капитана Корема», «Девушка с креветками», «Портрет епископа Хоудоли», 1743; «Портрет актера Гаррика с супругой», 1757). Их модели индивидуальны, но их всех объединяет открытость души и неподдельная искренность. Неподдельной теплотой отмечены изображения женщин и детей («Дети Грэм», 1742; «Миссис Солтер», 1744). В портретах особенно проявились высокие живописные достижения Хогарта. «Применяемый им прием разложения цвета близок находкам Шардена и позволяет протянуть нити к творчеству Гойи и мастеров XIX в. …Пресловутая ‘змеевидная линия красоты’ и привлекательности, на которой так настаивает художник в своем трактате, воплощается им в жизнь, прежде всего, в выразительном силуэте». Творческое наследие Хогарта включает в себя также и исторические полотна («Сигизмунда», 1755). Всем своим творчеством Уильям Хогарт убедительно подтверждает значимость национальной английской художественной школы. ФРАНЦИЯ. ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ПЬЕРА ОГЮСТЕНА БОМАРШЕ. (1732-1799).(учебник стр. 218-223). В «Мемуарах» Пьера Бомарше появился герой, которого Бомарше вскоре вывел на подмостки театра: ироничный, веселый, неунывающий, беззащитный, но и неуязвимый, полный собственного достоинства и всем обязанный только себе. Вольтер проницательно указал истоки этого героя – фарсовый Арлекин. Однако сохранились в герое и автобиографические черты самого тип Бомарше. Действительно, драматург своей личностью воплощал человека новой эпохи. За свою жизнь он побывал часовщиком, музыкантом, изобретателем, чиновником при дворе, королевским агентом, финансистом, негоциантом, литератором, издателем. Предприимчивый зубоскал, склонный к небезопасным авантюрам, полагающийся только на собственный разум и собственную смекалку, - все эти черты он передал герою комедии Фигаро, в которого влюбился Париж. Сюжет пьесы «Севильский цирюльник, или Тщетная предосторожность» (1712) вполне традиционен: юный граф Альмавива с помощью цирюльника Фигаро отбивал свою возлюбленную Розину у ее старого опекуна, который сам хочет на ней жениться. В персонажах узнаваемы черты ренессансной комедии масок. Стремительность развития событий, жизнерадостный оптимизм, беззаботное веселье, забавные фарсы, каскад каламбуров и острот, ставших крылатыми и разлетевшимися по Франции, превращают пьесу в непрерывный дивертисмент (развлечение, увеселение). «Севильский цирюльник» - верх разговорного искусства в самый красноречивый век. Все действующие лица – отмеченные говоруны. Блеск парижского остроумия оттенен в пьесе испанским колоритом. Водопад красноречия вымерен и сконцентрирован авторской волей. Все эти черты принесли комедии европейский успех. Наконец, главное открытие Бомарше – новый герой неуязвимый, ловкий, плутоватый, но при этом лишенный цинизма и аморальности. В его Фигаро увидели воплощение духа времени. Герои комедии – Фигаро, Альмавива, Розина – были молоды. Они жили в ладу с собой и своим временем. Их противники – опекун Бартоло, доктор Базиль, напротив, ощущают ненависть к новому веку: «Что он дал нам такого, за что бы мы могли его восхвалять? Всякого рода глупости: вольномыслие, всемирное тяготение, электричество, веротерпимость, оспопривание , хину, энциклопедию и мещанские драмы» С одной стороны, Бомарше выделяет главнейшие, на его взгляд, достижения своего времени. С другой – фиксирует их место в умах людей. Следующая часть трилогии «Безумный день, или Женитьба Фигаро» появилась через десять лет. Все эти годы были заполнены разнообразной деятельностью. Пьеса была отдана актерам в 1781 г., а сыграна в 1784 г. На протяжении трех лет шли настоящие сражения за ее постановку. О «Женитьбе Фигаро» Людовик XVI сказал «Это отвратительно, этого никогда не будут играть». Однако поставленная в 1784 г. в Комеди Франсез пьеса имела чрезвычайный успех. В «Женитьбе Фигаро» мы встречаем многих персонажей знакомых по «Севильскому цирюльнику». Фигаро из наперсника перешел на роль влюбленного жениха, чью невесту замышляет соблазнить его хозяин и покровитель граф Альмавива. Из сообщников граф Альмавива и Фигаро превратились в соперников. События в пьесе укладываются в пределы одного дня, но это поистине «безумный день». Все персонажи мечутся в поисках любви. Графиня мечтает вернуть мужа, но одновременно испытывает странную нежность к энному пажу Керубино. Граф ухаживает за Сюзанной, одновременно готов приударить и за юной Фаншой. Марселина строит планы относительно Фигаро. Наконец, Керубино – настоящий Амур, влюблен решительно во всех женщин в замке. Однако современники Бомарше видели в его пьесе не столько «любовную комедию», сколько комедию сатирическую и политическую, а в Фигоро – не столько счастливого возлюбленного, смело отстаивающего свою любовь, сколько ниспровергателя существующего строя, обличающего пороки современного общества. Он поднимает на смех правительство, дворянство, правосудие, дипломатию. Он требует свободы мысли, слова, печати и выступает против общественного неравенства. В высказываниях Фигаро легко узнать общепросветительские идеи. Но ирония, сарказм, суровость, негодование – все несет личный отпечаток. В Фигаро приветствовали защитника свободы против деспотии и равенства против привилегий. В 1794 г. впервые была поставлена заключительная часть драматургической трилогии – пьеса «Перступная мать» . В центре пьесы на этот раз графиня Розина. Она мучается тайной, о которой также подозревает граф Альмавива. Их сын кавалер Леон на самом деле сын не графа, а Керубино. Юный паж давно погиб. И эту гибель графиня не перестает оплакивать, считая себя ее виновницей. Постаревший Фигаро по-прежнему выступает хранителем семейного мира в доме графа Альмавивы и разоблачает хитреца и клеветника, втершегося в доверие графа и графини – Бежеарса. Кровавые события революции во многом изменили мировосприятие Бомарше. В 1789 г. он писал актерам о том, что нужно не изображение кошмаров, пороков и преступлений, а картины добродетели. Бомарше считал свою последнюю пьесу лучшей из своих творений, надеясь, что ее оценят в будущем. ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ВОЛЬФГАНГА АМАДЕЯ МОЦАРТА. (1756-1791).(учебник стр. 224-227). «…Ты, Моцарт, Бог, и сам того не знаешь…» А.С.Пушкин. За всю свою историю человечество было осчастливлено рождением многих прекрасных, иногда гениальных композиторов, но только имя Моцарта стало синонимом самой музыки. О Моцарте написано много, его творчество изучено и продолжает изучаться множеством ученых, педагогов, исполнителей, музыковедов, но до конца никто еще не раскрыл тайны его феноменального обаяния, его способности воздействовать на всех людей без исключения, включая грудных младенцев. Мало того, есть исследования, доказывающие благотворное влияние звучания музыки Моцарта на растительные формы жизни. 36 лет жизни этого поразительного гения наполнены таким напряженным трудом, что обычному человеку невозможно даже представить степень творческого гения, необходимую для создания такого количества абсолютных шедевров. Моцартом написаны 50 симфоний, 19 опер, сонаты, квартеты, квинтеты, Реквием и множество других произведений различных жанров. Жизнь Моцарта – это пример необычайно раннего поразительного расцвета многогранного музыкального дарования. Все его способности могут быть охарактеризованы только в превосходных степенях – они были гениальны. Это стало ясно уже в раннем детстве, когда под руководством отца маленький Вольфганг начинает заниматься музыкой. В четыре года он уже проявляет небывалые слуховые способности и удивительную память, а с шести лет начинает гастролировать по Европе вместе со старшей сестрой АннойМарией и отцом Леопольдом Моцартом, вызывая бурю восторга у слушателей. Во время четырехлетних гастролей «чудо-ребенка» им были написаны первые сонаты для скрипки и фортепиано, а также первые симфонии, исполнение которых в Лондоне принесло ему большую славу. В 1766 г. семья возвращается в Зальцбург. Вольфганг продолжает много работать, пишет разнообразные произведения на заказ и, в том числе первую оперу – «Мнимая пастушка» (Моцарту было 11 лет). К большому огорчению юного автора, поставить эту оперу на сцене венского театра, как предполагалось, не удалось. Начала сказываться неизбежная зависть коллег к 12-летнему композитору, который их очаровательного «чудо-ребенка» превратился в серьезного соперника. 1770-1773 гг. Моцарт вместе с отцом провел в Италии, где вновь пережил триумфальный успех, выступая как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижер и певец-импровизатор. Программа концертов чаще всего была составлена из произведений самого Моцарта. Миланский оперный театр заказывает ему оперу «Митридат, царь Понтийский», и Моцарт пишет это сложное произведение за полгода. Известны факты, подтверждающие необычайную силу дарования Моцарта. В Сикстинской капелле в Риме исполнялось сложное многоголосное произведение композитора Г.Аллегри «Мизерири». Ноты этого произведения строжайше было запрещено выносить из церкви, но Моцарту и не нужно было выносить никаких нот. Придя домой, он просто записал все произведение целиком по памяти. Необычайным фактом было и избрание столь юного композитора в члены Болонской академии (1766). Но надежды на более продолжительную работу в Италии не сбылись. Увлечение публики «чудо-ребенком» прошло, как-то сразу закончились и детство юность, так как по приеду в родной Зальцбург прославленный музыкант, получивший призвание во много европейских столицах, попадает под власть нового зальцбургского властителя – графа Колоредо. Попытка Моцарта обосноваться в Париже тоже не принесли успеха, он хоронит мать, перебивается коекак уроками музыки и в отчаянии возвращается в Зальцбург. Унижение и зависимость – вот, что сопровождает теперь Моцарта в жизни. Вместе с тем, творческий процесс, независимо от обстоятельств, идет своим чередом, и уже в Париже появляются гениальные сонаты для клавесина, а в Мюнхене ставится новая опера «Идоменей, царь Крита». В 1781 г. со скандалом покинув Зальцбург, Моцарт поселился в Вене, где и прожил до конца своих дней (10 лет). За эти годы появились четыре оперы, в числе которых – три абсолютные вершины мирового искусства – «Свадьба Фигаро» (1786), «Дон Жуан» (1787) и «Волшебная флейта» (1791), три последние, самые совершенные симфонии, концерты и трио. Именно в этот период жизни Моцарт встречается с Гайдном. Несмотря на разницу в возрасте, это была настоящая дружба двух великих творцов, каждый из которых понимал все величие другого. Шесть великолепны квартетов Моцарт посвятил Гайдну. С другой стороны, известны высказывания Гайдна, в которых он называет Моцарта «величайшим композитором». Последним произведением Моцарта был Реквием (от лат. Regаuem – «покой») – хоровое произведение траурного характера, исполнявшееся в церкви в память умершего. С этим произведением связана легенда о том, что его заказал композитору неизвестный человек, одетый в черное, который впоследствии так и не пришел за выполненным заказом, что должно было означать одно – Моцарт писал Реквием для себя самого. Эта легенда породила впоследствии множество литературных и драматических произведений. Музыка реквиема глубоко трагична, полна сдержанной и благородной скорби. Лейтмотив произведения – судьба страдающего человека, предстающего перед лицом сурового Божьего суда. С потрясающей драматической силой он раскрывает во втором хоре «Dies irae» («День гнева») картины смерти и разрушения, контрастирующие со скорбной мольбой и троательными жалобами. Лирической кульминацией «Реквиема№ стала «Lacrimosa» («Лакримоза» - «Слезный день этот»), музыка, проникнутая трепетным волнением и просветленной печалью. Смертельно больной Моцарт не успел закончить это произведение. По наброскам композитора оно было доработано одним из его учеников. В историю музыкальной культуры Моцарт вошел как блистательный сочинитель симфонической музыки. Особой популярностью пользуются три последние симфонии Моцарта: ми-бемоль мажор (1788), соль минор(1789) и до мажор, или «Юпитер» (1789). В них прозвучала лирическая исповедь композитора, его философское осмысление пройденного жизненного пути. «Юпитер Моцарта – одно из чудес симфонической музыки, особенно благодаря финалу, в котором «полифонический гений великого мастера, обладавший способностью из ничтожного материала строить колоссальные здания, - проявился во всей непостижимой силе. Моцарту принадлежит заслуга в создании жанра классического концерта для различных музыкальных инструментов. Среди них 27 концертов для фортепиано с оркестром, 7 для скрипки с оркестром, 19 сонат для фортепиано, сочинения в жанре фантазий, в основе которых лежала свободная импровизация. Одно из лучших сочинений Моцарта в этом жанре – концерт для фортепиано с оркестром ре минор (1786). В оперном искусстве Моцарт прокладывал собственную дорогу, отличную от своих знаменитых предшественников и современников. Редко используя мифологические сюжеты, он главным образом обращался к литературным источникам: средневековым легендам и пьесам известных драматургов. Моцарт впервые соединил в опере драматическое и комическое начало. В его оперных произведениях не было четкого деления на положительные и отрицательные. «Свадьба Фигаро» была поставлена по пьесе французского драматурга Бомарше. Моцарт сильно рисковал, выбирая для постановки запрещенную цензурой пьесу. В результате появилась веселая опера в стиле итальянской комической оперы-буфф. Один из первых биографов композитора очень точно подметил: «Моцарт сплавил воедино комическое и лирическое, низкое и возвышенное, смешное и трогательное и создал невиданное по своей новизне творение – «Свадьба Фигаро». В опере «Дон Жуан» трагическое и комическое, фантастическое и реальное переплетены не менее прочно. СамМоцарт не случайно дал ей подзаголовок «Веселая драма». Серьезные и величественные арии Командора сменялись веселыми и озорными мелодиями хитроумного Леперелло, слуги Дон Жуана. Опера-сказка «Волшебная флейта» - любимое произведение Моцарта, его «лебединая песня» - стала своеобразным эпилогом жизни великого композитора (была поставлена в Вене за два месяца до его смерти). В доступной и увлекательной форме Моцарт воплотил в ней идею неизбежной победы светлого и разумного начала жизни над силами разрушения и зла. Волшебник Зарастро и его верные помощники, преодолев множество жестоких испытаний, все же создают мир Мудрости, Природы и Разума. Черная месть, злоба и коварство Царицы Ночи оказываются бессильны перед всепобеждающими чарами любви. Опера имела потрясающий успех. В ней звучали мелодии сказочных игр, волшебных опер, народных ярмарочных балаганов и кукольных спектаклей. К сожалению, и эта замечательная опера не принесла Моцарту ни гроша. ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ИОГАННА СЕБАСТЬЯНА БАХА. (1685-1750).(учебник стр. 228-234). В Германии, стране музыки по преимуществу «духовной», уже в первой половине века поражает грандиозная фигура Иоганна Себастьяна Баха, в творчестве которого торжествуют идеи гуманизма, человеческое начало. Творчество И.С. Баха явилось завершающим этапом музыкальной культуры барокко. В его произведениях удивительным образом сочетались все лучшие достижения предшествующих эпох: искусство полифонии немецких органистов, гомофонный стиль итальянской оперы и французской итальянской оперы и французской танцевальной музыки. Он унаследовал традиции инструментальной музыки concerto grosso и народно-песенного творчества. Творческий путь Баха ярок и своеобразен. Его исключительное дарование проявилось очень рано, но композитор продолжал учиться и завоевывать новые творческие рубежи всю жизнь. Он хорошо знал музыку, своих предшественников и современников, использовал ее в своей практической деятельности придворного музыканта, играл их сочинения своим многочисленным ученикам, делал транскрипции. Уже в юные годы Бах создал произведения, своей яркостью значительно превосходящие взятые для подражания образцы творчества старших современников. – И.Пахельбеля, Д.Букстехуде, Г.Бема, И.Канау. Постоянно растущий авторитет Баха укреплялся благодаря его исключительному исполнительскому мастерству и непревзойденному искусству. Поразительно разнообразно творческое наследие Баха! В историю мировой музыкальной культуры он вошел как непревзойденный мастер духовной органной музыки. Глубина философских обобщений, отражение сложного и противоречивого земного бытия и божественного мира совершенной гармонии отличают его органные мессы, хоралы, оратории, кантаты и пассионы («страсти»). Иоганн Себастьян Бах создал около тысячи произведений разных жанров. Еще в XVII в. возникла традиция вокально-хорового исполнения «страстей» (нем. Passion – страдание) – драматизированных торжественных рассказов о страданиях и мученической смерти Иисуса Христа. Одним из величайших творений Баха стали «Страсти по Матфею» («Mattyauspassion»; 1729) грандиозное произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение четырех часов. По замыслу автора, в нем участвовали два четырехголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов. Нелегко было организовать исполнение этого монументального произведения при жизни композитора. Сюжет евангельской легенды Бах наполнил новым гуманистическим содержанием, углубил его философское звучание. Музыка «Страстей» вызывала самые различные эмоции у слушателей: от строгой возвышенной скорби до искреннего переживания, раздумья и просветленного торжества жизни. Сдержанная, скорбная мелодия голоса сопровождалась рыданием скрипки, а партии хоров передавали крики разъяренной толпы, требующей казни Христа. Поразительно, но первое исполнение самого новаторского произведения Баха – оратории «Страсти по Матфею» «не принесло автору славы, и было совершенно не понято слушателями. Строгим ревнителям церкви музыка также не понравилась, она показалась им слишком оперной и далекой от религиозной догматики. Это сложнейшее произведение для хора, оркестра и солистов прозвучало для всего музыкального мира лишь спустя сто лет, после симфоний Л.Бетховена, 11 марта 1829 г. Двадцатилетний немецкий композитор Ф.Мендельсон (1809-1847) осуществил ее исполнение в Лейпциге. Одним из величественных органных творений Баха стала Высокая месса (Месса си минор; 1747-1749), созданная в стиле барокко. Удивительно тонкая и красивая музыка, включающая арии, вокальные ансамбли и хоры, передавала широкий эмоциональный диапазон: от ликования и просветленного чувства радости до жалости, скорби и сострадания. Короткие фразы латинских молитв служили лишь поводом для выражения мыслей о противопоставлении жизни и смерти, о торжестве нравственного величия Человека. Сложность структуры и большой объем не позволял исполнить ее в церкви во время праздничного дневного богослужения (при жизни Баха она не была исполнена ни разу). Месса состояла из пяти крупных частей, включающих 24 номера (15 хоров, 6 арий и 3 дуэта). Между тем грандиозное произведение поражало своей цельностью и четкой продуманностью. Молитвенный текст также был подчинен звучащей музыке. Большинству произведений И.С. Баха присущ полифонический склад. («Полифония» - греческое слово, означающее «многоголосие»). Вершиной этого жанра являлись фуги (лат. Fuga – бег) – многоголосные произведения, в основе которых лежит одна музыкальная тема, звучащая последовательно в разных голосах. Происхождение этого слова не случайно: звучащие голоса действительно как будто «догоняют» друг друга и приходят к согласию лишь в конце. Обойдя все голоса, мелодия начинает дробиться на мелкие части, ее звучание становится более напряженным, неустойчивым. Хорошо известна и оркестровая музыка Баха. Каждый из шести Бранденбургских концертов (1711-1720), созданных в стиле concerto grosso, имеет свой неповторимый тембровый облик. Клавирные и скрипичные концерты, в которых Бах продолжил традиции А.Вивальди, - это то главное, что создано им в этой области. В клавирной музыке (klavier – немецкое название клавесина, струнно-клавишного инструмента) он прокладывал новые пути, намечая основные направления в развитии фортепианной музыки. Огромную ценность представляет также инструментальная музыка Баха. Выдающееся историческое, художественное и педагогическое значение имеет его сборник фуг и прелюдий «Хорошо темперированный клавир» (48 произведений; 1722, 1744), утвердивший современный музыкальный строй. (от лат. Tempetratio – правильное соотношение, соразмерность. В равномерно-темперированном строе октава состоит из 12 полутонов). Бетховен называл этот сборник своей «музыкальной Библией», для Шумана она была «лучшей грамматикой». Среди 48 фуг нет и двух похожих, каждую отличают поразительное многообразие мелодий и настроений. Бах часто любил импровизировать за клавесином на темы популярных песен, сочиняя изящные и легкие сюиты, состоящие из немецких (аллеманда), фрнцузских (куранта), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев. Французские и Английские сюиты стали подлинным украшением концертных программ. Не менее популярной была светская вокально-инструментальная музыка Баха. Около 30 кантат (вокально-инструментальных произведений для солистов хора и оркестра) принадлежит великому композитору. Каждая из них проникнута веселыми и жизнерадостными интонациями, в каждой чувствуется остроумие и тонкий юмор автора. В «Крестьянской кантате» (1742) звучат народно-песенные мелодии, передающие стихию народной жизни. Она представляет собой живые зарисовки крестьянского праздника свидания на лоне природы. «Кофейная кантата» (1732) – это остроумная жанровая сценка, в которой ворчливый отец запрещает дочери пить кофе – модный в то время напиток. Но изобретательная и находчивая дочь ловко обходит все его запреты. Бахом написано также большое количество сонат и концертов для различных солирующих инструментов. По сей день они исполняются всеми выдающимися музыкантами современности. ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО ИОГАННА ВОЛЬФГАНГА ГЕТЕ. (1749-1832).(учебник стр. 235-239). Величавший немецкий писатель И.В. Гете занимает особое место в культуре и философии Германии. Гете родился в обеспеченной бюргерской семье во Франкфурте-на-Майне. Юность Гете совпала с периодом «Бури и натиска» в немецкой литературе, когда молодые поэты бунтовали против норм и правил, предвосхищая возможность свободы от любого гнета и принуждения в самой жизни. Поэт действительно стал главной фигурой литературного движения «Бури и натиска» и впоследствии всегда оказывался в центре немецкой культуры. Ранняя поэзия Гете – смелая, непривычная для своего времени и раскрывающая мысли автора о предназначении творчества. Что бы ни делал Гете с языком – все это совершенно естественно и непринужденно. Язык преображается: придумываются новые слова и формы слов, язык окрашивается в особые тона, за своеобразием языка скрывается своеобразие осмысления мира автором. Лирика Гете подразумевает естественно-науное понимание мира, актуальное в XVIII в. Поэтическое восприятие мира объединяется с наукой. Уже ранние гимны, написанные свободно, например «Прометей», органически соединяют порывистое, мятущееся чувство и великое знание. Гете за всю свою жизнь написал около 1600 стихотворений. Многие из них были подхвачены народом и превратились в народные; лучшие композиторы мира слагали для них музыку. Гете сумел найти, понять и оценить красоту родного языка и вести ее до совершенства. Лирические шедевры поэта: «Лесной царь», «Ночная песнь странника», «Полевая розочка», «Коринфская невеста» и многие другие – пользуются мировой известностью. «Ночною порой, когда все вы уснете, В глухой стороне, В полуночный час – Мы на волю выходим, и песнь заводим, И пускаемся в пляс. Ночною порой, когда вы все уснете, При свете луны – На воле мы бродим, и песни заводим, И танцуем – чьи-то – сны». Многое из поэтического наследия Гете нам осталось недоступным, ибо как бы точен перевод ни был, он не может сохранить обаяние оригинала. Однако русский читатель может иметь представление о красоте и богатстве лирики Гете по классическим переводам, которые сделали русские поэты: «Горные вершины» в переводе Лермонтова, «Лесной царь» в переводе Жуковского, «Коринфская невеста» в переводе Алексея Толстого. В лирике Гете содержится редкое и ценнейшее чувство любви и понимания красоты природы. Человек с его интимными чувствами и природа, которая живет, цветет всеми красками жизни, - вот два главных героя лирики. В 1774 г. Гете под влиянием встречи с Шарлоттой Буф, невестой своего друга, пишет роман «Страдания юного Вертера». Вертер – молодой, талантливый и образованный человек, сын состоятельных родителей, но не принадлежащий к дворянству. Юноша хорошо владеет пером, а также занимается живописью и скульптурой. Местная знать недолюбливает Вертера, считая, что его таланты даны ему не по праву. Несмотря на это юноша счастлив, любит жизнь. Однажды Вертер встретил красивую девушку Шарлотту и полюбил ее, хотя она уже собиралась выйти замуж за другого. Вертер знал, что Альберт, рассудочный, практичный, составил счастье девушки. По этой причине он устранился, что было нравственной победой долга над чувствами. Гете подготавливает читателя к печальной развязке романа – главный герой совершил самоубийство. «ФАУСТ». Над величайшим произведением эпохи «Фаустом» Гете работал более шестидесяти лет. Осенью 1831 г. он опечатал законченную рукопись, а в январе снова развернул ее, чтобы внести исправления и добавления. В свет это произведение вышло полностью после смерти автора. Легенда о докторе Фаусте, ученом-чернокнижнике, возникла еще в XVI столетии. Из уст в уста переходили в народе рассказы о невероятных чудесах, которые совершал доктор Фауст, сумевший даже вызвать из небытия прекрасную Елену, воспетую Гомером. Гете взял эту народную легенду в глубоко философском плане и превратил ее в грандиозную эпопею. Его произведение написано в форме трагедии. Это диалогизированная эпическая поэма, глубочайшая по своему философскому содержанию. В посвящении к «Фаусту» Гете определяет значение этого произведения для себя: «Вы снова здесь, изменчивые тени, Меня тревожащие с давних пор, Найдется ль наконец вам воплощение, Или остыл мой молодой задор? Но вы, как дым, надвинулись виденья, Туманом мне застлавши кругозор. Ловлю дыханье ваше грудью всею И возле вас душою молодею». Начинается трагедия с «Пролога в театре», в котором поэт выказывает свое поэтическое кредо и иносказательно намекает на путь, по которому пойдет повествование. В беседе директора, поэта и комического актера выражены рассуждения автора о целях и сущности искусства. Главная задача искусства – показать читателю, зрителю красоту его же собственных чувств. Во втором вступлении «Пролог на небесах» Гете обращается непосредственно к избранной теме. Читателю становится понятной основная идея произведения. Перед нами Бог, архангелы и Мефистофель. Перед нами две философии. Одну проповедует Бог, иначе говоря, сам автор, - это философия гуманизма, оптимистической веры в человека, великой любви к жизни. Вторую олицетворяет Мефистофель, Перед нами две философии. Одну проповедует Бог, иначе говоря, сам автор, - это философия гуманизма, оптимистической веры в человека, великой любви к жизни. Вторую олицетворяет Мефистофель, здесь – пессимизм и мизантропия. Бог посылает Мефистофель к Фаусту, чтобы тот погубил душу человека. Мефистофель заранее торжествует. Он уверен в своей победе темных сил, в унижении человека. Бог дает в спутники человеку демона искушения и зла. Гете вкладывает в это глубокий смысл, неудовлетворенность достигнутым сопутствует деятельности человека как творческий стимул. Перед нами философская аллегория, воплощенная в живые лица. Не судьба отдельного человека, а весь мир, еще не познанный до конца, все человечество с его исторической судьбой волнует поэта. В первой части трагедии перед нами предстает Фауст, мудрый и ученый, многие годы отдавший науке. К нему стекаются ученики издалека, но он тоскует. «Напрасно истину ищу! Когда ж учу людей, их научить, улучшить не мечтаю», - заключает он. Но пытливая мысль, жажда познания влечет Фауста вперед. «Я богословьем овладел, Над философией корпел. Юриспруденцию долбил И медицину изучил. Однако я при этом всем Был и остался дураком… Не нажил чести и добра И не вкусил, чем жизнь остра. И пес с такой бы жизни взвыл! И к магии я обратился, Чтоб дух по зову мне явился И тайну бытия открыл». Гете верит в разум человека, в его созидательные силы. Человек создан для великих дел, к ним должен стремиться, е растрачивая напрасно своих сил, - такова гуманистическая мысль поэта. Но человечество еще далеко от свершения такой мечты. Мефистофель говорит Богу о человеке: « Я о планетах говорить стесняюсь, Я расскажу, как люди бьются, маясь, Божок вселенной, человек таков, Каким и был он испокон веков. Он лучше б жил чуть-чуть, не озари Его ты Божьей искрой изнутри. Он эту искру разумом завет И с этой искрой скот скотом живет…» Вооруженный человеческим разумом, пониманием красоты жизни, верой в светлое будущее человечества, признанием активной деятельности человека, Фауст ищет ответ на вопрос: в чем смысл жизни? Его повсюду сопровождает Мефистофель. Образ Мефистофеля в трагедии Гете несет глубокую философскую идею, воплощает в себе дух отрицания. Каждый происходящий на земле процесс, подчеркивает автор, содержит и положительные, и отрицательные начала, в их борьбе рождается новое. «Я дух, всегда привыкший отрицать. И с основаньем: ничего не надо. Нет в мире вещи, стоящей пощады. Творенье не годится никуда». Особый смысл заложил Гете в формулу договора между двумя героями трагедии. Фауст утверждает, что человеческие желания безграничны, что вечная неудовлетворенность достигнутым будет сопровождать людей. Мефистофель утверждает обратное: достаточно человеку дать самые низменные наслаждения и богатство, он забудет обо всем и предпочтет вечному движению вперед минутные радости. Мефистофель понимает, что человек могуч своими знаниями, поэтому хочет подорвать эту веру Фауста. Просветительская вера Гете во всемогущество разума пронизывает все произведение. Гете сохраняет в своем произведении эпизод омоложения Фауста, имевший место в народной легенде о чернокнижнике. Силу молодости в Фаусте возвратило не колдовство ведьм, а чувство любви. «Один лишь взгляд, один лишь голос твой Дороже мне всей мудрости земной», Восклицает Фауст, увидев прекрасную девушку – Маргариту. Маргарита – душевно чистая, простосердечная девушка, которая доверились случайно встречному на деревенском празднике незнакомцу. Фауст покорен душевной чистотой девушки. Но любовь чувственная не может удовлетворить его, поэтому он покидает Маргариту. Последние страницы первой части «Фауста» мрачны. Маргарита, лишенная рассудка, в тюрьме ждет казни. Она сознает страшную свою вину, но по-прежнему любит Фауста, последние слова ее обращены к нему: «Я молода, я молода И умираю так нежданно! То был моей красоты расцвет, Она меня и погубила, Со мной был милый, ныне нет. Опал венок, увял букет». Ночью на вороных конях к ней мчатся Фауст и бес. Эту картину запечатлел в своей гравюре французский художник Эжен Делакруа. Стихи Гете впоследствии были положены на музыку в одноименной опере Шарля Гуно в 1858 г. Вторая часть трагедии написана уже в XIX в., на фоне великих событий: французская революция в конце XVIII в., Наполеоновские войны… Фауст, познавший тяжелую внутреннюю борьбу, теперь спит на цветущем лугу. Лета, река забвения, окропив его росой, возрождает его к жизни. Во второй части «Фауста» перед читателями предстает античный мир в широком культурноисторическом плане. Фауст, не найдя смысла жизни в любви, пытается найти его в красоте. Он уходит в Аид, подземный мир, за прекрасной Еленой и возвращает ее к жизни. Но как бы совершенен не был античный идеал, он нежизнеспособен в новые времена. Мефистофель постоянно напоминает, что возрожденная Елена – всего лишь призрак. Сын Елены и Фауста, прекрасный и смелый Эвфорион, погибает. Сама гибель его становится прославлением человеческого геройства, потому что Эвфорион не может оставаться равнодушным, когда собратья «идут на скорбь, на грозный бой». Вслед за гибелью сына Фауст теряет и Елену. Она исчезает, оставив в его руках свои одежды, которые превращаются в облака. Не найдя истины в красоте, Фауст продолжает поиски. Он борется со стихией, отвоевывает у моря землю, поселяет на ней народы. Фауст хочет видеть народ счастливым, свободным, живущим в изобилии. Истина, которую он так долго искал, найдена: она в созидательном труде на благо человечества. Фауст переживает самую светлую минуту своей жизни. «Вот мысль, которой весь я предан, Итог всего, что ум скопил. Лишь тот, кем бой за жизнь изведан, Жизнь и свободу заслужил… Народ свободный на земле свободной увидеть я б хотел в такие дни. Тогда бы мог воскликнуть я: “Мгновенье! О, как прекрасно ты, повремени! Воплощены следы моих борений, и не сотрутся никогда они”. И, это торжество предвосхищая. Я высший миг сейчас переживаю». С этой мыслью Фауст умирает. Гуманист Гете заключает свое великое творение прославлением всепобеждающего человеческого разума и всепобеждающей человеческой любви. Гете завершил «Фауста» и умер. Он и не предполагал печатать полный текст при жизни: первая часть была опубликована фрагментарно в 1790 г., полностью – в 1808 г., из второй части печатались только отрывки. Перу Гете принадлежит также ряд пьес, таких как «Магомед», «Прометей», «Гец фон Берлихинген», «Ифигения в Тавриде», «Эгмонт», «Торквато Тассо», «Вильгельм Мейстер» и др. Всеобъемлющий ум Гете четко уловил и оценил перемены, произошедшие после французской революции. «Господа, мы присутствуем при рождении новой эры, и вы вправе утверждать, что видели ее начало собственными глазами», - писал он. ВОПРОСЫ. I вариант. 1. Какие искусства выражали новые общественные идеи в эпоху Просвещения? Приведи примеры. 2. Назови проблемы, волновавшие Джонатана Свифта? 3. В чем сходство и различие оценок человеческого общества, данных Хогартом и Свифтом? 4. Что отличает музыкальное творчество И.С.Баха? 5. Какие черты в образе Фауста привлекали внимание Гете и что он считал смыслом человеческой жизни? II вариант. 1. Почему XVIII век назвали веком Просвещения? Обоснуй свой ответ. 2. Как ты считаешь, Чем книга Д.Свифта «Приключение Гулливера» актуальна для современности? 3. Почему произведения Хогарта можно назвать «театр для мольберта»? 4. Что отличает музыкальное творчество В.А.Моцарта? 5. Отметь черты характера, которые больше всего выделил Бомарше в своем герое Фигаро.