Русский» период (1908—1923)

СПбРГПУ
Институт музыки,
театра и
хореографии
Косьяненко
Юлия
2014
Периоды творчества Игоря Стравинского
Творчество Стравинского принято делить на
несколько периодов: русский, период
неоклассицизма(как реакцию на декадентство и
экспрессионизм), поздний период – синтетический,
вобравший в себя многие стили, наряду с
увлечением серийной музыкой в 50 – 60-е годы.
«Русский» период (1908—1923)
Первый этап музыкальной карьеры Стравинского (не считая некоторых
его ранних работ) отсчитывается от написания
оркестровой фантазии «Фейерверк» (1908) и включает три балета,
созданных им для труппы Сергея Дягилева и его «Русских сезонов» в
Париже:
«Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913),
характерных общими чертами: все они рассчитаны на чрезвычайно
многочисленный оркестр, в них активно используются
русские фольклорные темы и мотивы.
К данному периоду в творчестве
Стравинского относят оперы «Соловей»
(1916) и «История солдата», «Сказка о
беглом солдате и чёрте» (1918), а также
балеты «Байка про Лису, Петуха, Кота да
Барана» (1916) и «Свадебка» (1923),
сборники песен по мотивам русских
сказок и фольклора: «Воспоминания о
моём детстве» (1913), «Подблюдные»
И. Стравинский и Н.Н. Римский-Корсаков
(1914), «Прибаутки» (1917).
(сидят рядом) в 1908 году.
Именно продолжение работы над русскими темами позволяют
назвать этот период творчества композитора «русским», несмотря на
то, что он с семьёю выехал за границу с началом Первой Мировой
войны (август 1914 года) и вскоре решил не возвращаться в Россию.
Стравинский работал и над другими темами, особенно после
сближения с французскими композиторами и до этого: японской
лирикой (1913), стихами Поля Верлена (1910), рэгтаймами (1917 –
1918), одноактным балетом с пением «Пульчинелла» на тему
Перголези (1920). Это позволяет следующий период его творчества
отметить более ранним сроком, чем окончание предыдущего.
Игорь Стравинский с семьей: женой, сестрой жены
и племянницами в Швейцарии. Кларан. 1913
«Неоклассический» период (1920 – 1954)
Отправной точкой следующего этапа
развития Стравинского как композитора
считается опера «Мавра» (1921—1922),
положившая начало «неоклассическому»
периоду в его творчестве.
Переосмысление музыкальных стилей и
направлений XVIII века стало основой
для создания оперы «Царь Эдип» (1927),
балета «Аполлон Мусагет» (1928) и
концерта для камерного оркестра мибемоль мажор «Дамбартон-Окс» (1937—
1938). Также в рамки данного периода
укладываются три симфонии:
«Симфония Псалмов» для хора на
тексты Ветхого Завета
(1930), Симфония С-dur» (1940) и
«Симфония в трёх движениях» (1945).
Интерес Игоря Стравинского к античной мифологии вдохновил его на
возврат к стилистике классицизма, в создании балета в двух
картинах «Аполлон Мусагет» (1928), оперы «Персефона» (1933) и
балета «Орфей» (1947). Стравинский продолжает работу над
православной литургией и католической мессой ( произведения
1930, 1932, 1934, 1944, 1948 годов). В 1951 г. композитор создал
последнюю большую работу неоклассического периода, оперу
«Похождения повесы». Либретто к ней, основанное на
набросках Уильяма Хогарта, было написано Уистеном Оденом.
Премьера состоялась в Венеции, в том же году; впоследствии опера
неоднократно ставилась на сценических площадках Европы, а затем —
в США (Метрополитен – Опера, 1953).
Неоклассицизм Стравинского носит универсальный характер.
Композитор моделирует различные музыкальные стили эпохи Ж.
Б. Люлли, И. С. Баха, К. В. Глюка, поставив своей целью
установить «господство порядка над хаосом». Это характерно
для Стравинского, всегда отличавшегося стремлением к строгой
рациональной дисциплине творчества, не допускавшей
эмоциональных перехлестов. Да и сам процесс сочинения
музыки Стравинский осуществлял не по наитию, а «ежедневно,
регулярно, наподобие человека со служебным временем».
«Серийный» период (1954—1968)
Арнольд Франц Вальтер Шёнберг
(1874 – 1951) — австрийский и
американский композитор,
педагог, музыковед, дирижёр.
Крупнейший представитель
музыкального экспрессионизма,
основоположник новой венской
школы, автор таких техник, как
додекафония и серийная техника
Антон фон Ве́берн
(1883 – 1945) —
австрийский
композитор и
дирижёр, один из
основателей
Новой венской
школы
После 30 лет творчества в стиле неоклассицизма композитор
вновь совершает поворот, на сей раз ориентируясь на серийную
технику, которую в Европе развивает Новая венская школа
(Шёнберг, Веберн и другие).
Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется
преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение»,
1956; «Заупокойные песнопения», 1966 и др.), усилением роли
вокального начала, свободным использованием додекафонной
техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального
мышления).
Первые эксперименты с серийными техниками
прослеживаются в небольших произведениях
1952—53 годов: «Кантата», «Септет» и «Три
песни из Вильяма Шекспира».
Первым же его сочинением, которое оказалось
полностью основано на новой для
композитора технике, стала композиция
«Памяти Дилана Томаса» (1954). В свою
очередь, додекафония впервые появилась в
балете «Агон» (1954—1957), а хоровое
произведение «Canticum Sancrum» (1955)
содержало целую часть, полностью
основанную на двенадцатитоновом звукоряде
. Впоследствии композитор активно
использовал этот прием в своих сочинениях
«Плач пророка Иеремии» (1958) и «Проповедь,
притча и молитва» (1961), которые были
основаны на текстах и мотивах Священного
Писания, а также в опере «Потоп» (1962),
представляющей собой синтез выдержек
из Книги Бытия со средневековыми
английскими мистериями.
Творчество Стравинского отражает общие
тенденции развития западноевропейского
искусства XX века. При всех творческих
метаморфозах он сохранял те или иные
черты своей индивидуальности. Даже в
сериальных произведениях последней поры
творчества нетрудно выявить присущие
только ему черты музыкального языка.
Стравинский был выдающимся новатором в
сфере музыкального ритма. Вместе с
известными композиторами ХХ века венгром
Бела Бартоком и своим соотечественником С.
Прокофьевым, он в значительной степени
развил ритмическую динамику, сделав ее
одним из главных средств выразительности
в музыке ХХ века. Музыковеды-теоретики
определяют ритм в произведениях
Стравинского как «нерегулярную
акцентность»: то есть различные формы
нерегулярности возникают вследствие
нарушения равномерной пульсации. Все это
порождает неимоверную эмоциональную
заостренность в музыке композитора…
«Русский мелос — живая речь Стравинского, это его язык, а не материал, откуда
берутся цитаты» ,— писал Асафьев [2]. Но русский мелос далеко не единственный
источник, питающий музыку Стравинского. Если мы произведем своеобразный
анализ «музыкального состава» его произведений, го увидим, весьма разнообразный
интонационный, мелодический, гармонический, фактурный и тембровый материалсырье, который обнаруживает необыкновенную широту истоков музыки
Стравинского. …
Музыкальные открытия Стравинского—тембровый контрапункт, полиритмия и
политональность — с необходимостью убеждает нас в том, что ранние балеты
демонстрируют принципиально новый тип музыкального мышления, к которому
более всего подходит определение — полифонический.
В творчестве Стравинского каждое явление эстетического плана связано с
самостоятельной художественной системой, его полноценная жизнь возможна
только во взаимодействии и взаимопроникновении различных черт. Поэтому с
точки зрения эстетического целого творчество Стравинского индивидуально
неповторимо в своем глубоком единстве.