Глава I - Уральский колледж прикладного искусства и дизайна
реклама
Анатолий Владимирович Пономарев родился в уральском городке Лысьва 7 августа 1945 г. Творческая биография художника началась в Кунгурском училище (1962-1965), где учился на отделении художественной обработки камня. В армии (он служил в Прибалтике) занимался скульптурой. В награду за портрет генерала Карбышева был демобилизован раньше срока там же, в Прибалтике (1965-1966), посещая выставки эстонских и латышских художников, Пономарев впервые увидел работы, выполненные в технике батик. Он обращается к мастерам и учится у них технике выполнения батика. После армии Пономарев А.В. некоторое время преподавал рисунок и живопись в изостудии города Лысьва. В 1968 г. Пономарев А.В. поступил в Уральское училище прикладного искусства (г.Н.Тагил), на отделение «Художественное оформление». Его учителями были Кусков В.А., Неверов А.Г., Горелов. В Тагил молодой художник привез с собой технику батик, став первым художником Н.Тагила, работающим в этой технике. Материалы и принадлежности для батика он готовил сам: разводил анилиновые красители, готовил резервирующий состав на основе резинового клея, трубочки для резервирующего состава заказывал на стекольном заводе. Позже Анатолии Владимирович познакомился с Константином Черепановым, преподавателем ХГФ НТГПИ, закончившим в Мухинском училище факультет по художественной обработке ткани. Черепанов был удивлен, что в заштатном городе знают об удивительной технике батик. В 1972 г. Анатолий Владимирович закончил УУПИ, защитив диплом на «отлично». После окончания училища Пономарев А.В. почти два года работал художником-оформителем в Лысьвенском Дворце культуры. Весной 1974 г. в руки художника случайно попала книга «Фаюмский портрет», изданная в 1940-х годах, ставшая для него откровением, сыгравшая огромную роль в его творческой биографии. Это был прекрасно иллюстрированный альбом. Вместе с несколькими другими редкими книгами он был спасен Анатолием Владимировичем во время варварского уничтожения библиотеки Дворца культуры г. Лысьва. Книга открыла для молодого художника древнюю живописную технику энкаустику, в которой и были выполнены знаменитые «фаюмские портреты», которые на сегодняшний день являются единственным источником для изучения этой удивительной и загадочной техники. Известно, что энкаустика — одно из самых ярких и таинственных сокровищ античного искусства. Ни одна из техник не вызывала столько споров и разногласий специалистов, как эта таинственная восковая живопись, пережившая тысячелетия. Термином «энкаустика» древние греки обозначали способ живописи разогретыми восковыми красками, которые имели уникальное свойство сохранять яркость и сочность цвета в течение многих веков. Изображения казались живыми... Античный автор Флавий Филострат писал о настенных энкаустических росписях:«Искусство, основанное на правде, вызывает капли росы на цветах, на них сидит пчела и неизвестно, она ли картиной обманута, или же мы, в заблуждение введенные, считаем ее живою?». Возможно, это немного приукрашено, но «дыма без огня не бывает» - А.В. Пономарева это поразило. Энкаустика крайне заинтересовала художника, возникло желаниеразгадать тайну совершенства этой живописной технологии, изучить ее, самому попробовать написать картину энкаустическими (восковыми) красками. Но каков их рецепт? Начались поиски литературы. И художнику повезло. В 1974 г. он возвращается в Н.Тагил и становится преподавателем УУПИ, ведет рисунок, живопись, практику и композицию будущим художникам-оформителям. Осенью того же, 1974 г., Анатолий Владимирович находит книгу «Энкаустика» (изданную в 1961 году). Автор ее — московский художник Хвостенко В.В. — многие годы жизни посвятил изучению и возрождению энкаустической живописи. В его книге Пономарев нашел то, что искал: технологию выполнения энкаустики, рецепты приготовления красок. А.В. Пономарева настолько увлекли удивительные возможности этой древней техники, что он, опираясь только на книгу Хвостенко и собственное чутье художника, уже в 1974 г. составил краски и начал писать картины. Его первой известной работой в технике энкаустики стала картина «Дед Гришаня из села Пузево» (1978 г.), получившая высокую оценку критиков за тонкую психологическую характеристику героя. Изучив технологию энкаустики по Хвостенко, Пономарев пошел дальше: в результате неустанных, смелых, длительных экспериментов он изобрел темперную энкаустику. Возникли догадки, предположения (на это намекал и В.В. Хвостенко), что некоторые фрагменты фаюмских портретов написаны именно темперной энкаустикой, иначе было бы невозможно так тонко прописать брови и ресницы. Возрождением техники энкаустики, экспериментами, Пономарев А.В. занимался несколько лет, и в дальнейшем на протяжении всей своей творческой жизни он обращается к ней при создании своих картин, и продолжает совершенствовать рецепты, оттачивать мастерство. С 1974 г. Анатолий Владимирович включился в активную творческую и педагогическую деятельность. Он участвует в городских, областных, региональных и Всероссийских художественных выставках. Он очень много работает, создавая картины в самых разнообразных жанрах и техниках. Большим достижением деятельности А.В.Пономарева является открытие в УУПИ отделения «Художественная роспись». К этому знаменательному для города событию привели его интерес к народному искусству, многолетнее изучение тагильского подносного промысла, участие в его возрождении. С 1995 года Анатолий Владимирович Пономарев является членом Союза художников России. Многие работы художника находятся за границей. Эдуард Россель подарил картину Пономарева А.В. президенту Франции. Работа «Пейзаж»куплена Министерством культуры России. Анатолий Владимирович Пономарев — совершенно особенный художник, не похожий ни на одного из его тагильских собратий по кисти. В чем эта особенность? Пономарев — увлеченный, смелый, ищущий художник, необычайно сложный и многогранный, — как никто другой. Он занимается неустанными поисками художественных технологий, много и плодотворно работает с технологией живописных материалов. В поисках самовыражения, воплощения своей творческой концепции он смело экспериментирует в самых разнообразных техниках: это традиционная масляная живопись, энкаустика, темпера, батик, аппликации на ткани, фреска, мозаика (из камня и из смальты), сграффито, иконопись и ее реставрация, роспись подносов и так далее. Причем, А.В. Пономарев не просто использует уже готовую, известную технику, а, открыв ее для себя, ищет свои решения, свои средства. Постоянный поиск, эксперимент — это стиль его творчества, его стихия, вне которой он, как художник, себя не представляет. В этих необходимых ему непрекращающихся поисках — стремление постоянно совершенствовать свое мастерство, которое помогает самовыражению, познанию себя, человека, окружающего мира полнее, глубже, правдивее. В этом — совесть, ответственность подлинного художника. Характерно для Анатолия Владимировича и жанровое многообразие: натюрморт, портрет, пейзаж, в котором он находит художественное символическое воплощение «больных», волнующих его проблем времени. Очень трудно четко определить стиль, манеру этого живописца, включить его в рамки какого-либо направления, настолько он самобытен. У него свой стиль, особенный. Но можно сказать определенно, что его приоритеты как художника-живописца ориентированы на народное искусство, древнерусскую иконопись, стиль «примитив», - на декоративную живопись. Он восхищается такими художниками, как А. Рублев, Дионисий, Ф.Грек, а также художниками-примитивистами Нико Пиросмани, Параска Хома. Всем им в той или иной степени присуща чистота взгляда на мир и непосредственность выражения чувства. Главная тема в творчестве А.В.Пономарева — человек, его художественная философия — желание обратить человека к первозданной чистоте мыслей, чувств и поступков, человечности, пробудить его от равнодушия, спасти от страшного века, от самого себя... У Пономарева — своя философия жизни, свое отношение к миру, он стремится воплотить ее в своем творчестве, а помогают ему в этом — его разные техники, выбор которых — для той или иной работы определяется возможностью данной техники для решения определенной художественной задачи. А потому одинаковых работ у Пономарева нет. Энкаустика привлекает Анатолия Владимировича тем, что за счет воска она дает возможность «лепить форму», придавать рельефность поверхности, что, в свою очередь, создает «микросветотень», дающую эффект живости изображаемому. Наверно, поэтому художник чаще всего использует энкаустику для изображения людей и природы. Кроме того, энкаустические краски обладают ярким, насыщенным цветом, а за счет воска - глубиной и прозрачностью. К тому же, восковые краски— «вечные», они не жухнут от времени, чего не скажешь о масляных. Свои картины в технике энкаустики Пономарев А.В. пишет и каутерием, и кистью, используя как горячий, так и холодный способ письма, в зависимости от поставленной задачи оплавляя или не оплавляя красочный слой. Энкаустикой Анатолий Владимирович написал своих любимых героев: простых сельских тружеников, живущих в согласии с природой, не испорченных суетностью городской жизни, со своей жизненной философией. Интерес к такому герою, пониманию его, способствовало увлечение Пономарева маленькими рассказами В. Шукшина. В основу сюжета картин, написанных энкаустическими красками, легли реальные люди, знакомые ему по его ежегодным поездкам в деревню Пузево, к матери его жены. Самая первая его работа — «Дед Гришаня из села Пузево» (1978 г.). На фоне пашни изображен простой русский мужик, сельский работяга, в испачканной соляркой спецовке, засаленной кепчонке, в самой обыденной ситуации: закончен трудовой день, человек устал, но он хорошо поработал, исполнил свой долг перед людьми и землей. Фоном является поле, пашня, воронежские равнины, простор и небо. Это портрет с ярко выраженной психологической характеристикой героя. Это — простой добрый человек, в нем нет жизненной усталости или надломленности. Он — не робкого десятка, весельчак и шутник. Сейчас вот он скажет шутку, может и озорную, но не обидную. В лице затаился юмор, лукавинка, природный ум. В тонкой лукавой улыбке — и довольство собой от сознания исполненного долга, и радость жизни, и спокойная уверенность в себе, достоинство. В основе его мироощущения и философии — любовь к жизни, родной земле, к этому полю. Крестьянин изображен крупно, на переднем плане. За ним — поле. Он — хозяин этой земли и в то же время — один из ее «колосков». В гармонии со светлым настроением хлебороба — весь колорит картины: солнечные, розовые, лучезарные теплые тона, выражающие радость жизни. Глубокий психологизм был отмечен критиками. Та же тема простого русского человека и неотделимой от него природы звучит и в картине «Хлебороб Иван Дорохин» (1987 г.). Композиция — практически та же, что и в «Деде Гришане». Сельский труженик на отдыхе, у него большие добрые руки, усталое и спокойное лицо. Перед ним обед пахаря — кувшин молока, хлеб, лук — созданные его руками. На заднем плане — пашня, поля пшеницы и дальний лес. Картина также выполнена в теплых тонах: желтых, нежно-зеленых, охристых, коричневых. И художественная философская идея та же: умиротворенность, мудрость, достоинство простого человека, живущего в гармонии с природой, и любовь к этому человеку художника. Обращает на себя внимание небо в обеих работах. Оно занимает почти половину площади картины, именно на фоне неба — голова героя картины. Несомненно, в этом философский символ: такой человек — как Бог, на нем держится наша земля. Для картины «Макаренок» (1987) также позировал конкретный мальчик — Юра Макаров из села Пузево, встретившийся художнику по дороге на рыбалку, с удочкой за плечами. На картине изображен до пояса загорелый белобрысый мальчонка, гологоловый, в ситцевой рубашонке. Он смущенно улыбается, позируя художнику, сморщившись от яркого солнца. Фон — берег реки и камыш, блестящий на солнце. Тот же солнечный колорит, выражающий светлое, радостное настроение героев, их нравственную чистоту, симпатию художника к своим деревенским героям, его духовное созвучие с ними. «Деревенские» картины Пономарева с их нравственно высокими образами отражают философскую позицию художника: в простом человеке, труженике, кормильце людей, живущими в гармонии с миром и согласии с природой, он видит нравственный идеал. И — по его словам: «Нравственность есть правда». Картины Пономарева, выполненные энкаустикой, как правило, небольшого формата. Причина тому не только тематика произведений. Дело в том, что энкаустика — техника трудоемкая, требующая больших затрат и не такая доступная, как традиционная масляная живопись. Чаще всего Анатолий Владимирович пишет масляными красками, особенно при создании больших полотен. Его первая живописная работа маслом — «Семейный портрет» (1974). Картина отражает важный для художника период жизни: у него появилась семья, родился сын. Удивительно завершенной, целостной круговой композицией картины художник стремится передать духовную гармонию персонажей, духовную целостность семьи, - единого древа жизни. Тонкая фигурка обнаженного ребенка с бабочкой в руке воспринимается как символ вечного обновления жизни, подчеркивает хрупкость, незащищенность детской открытой души. Семья изображена на фоне густых ветвей яблони, напоминающих о начале мироздания. Чувств художника воплотились в теплых, нежных тонах. Как и многие другие работы Пономарева, эта картина, несмотря на простоту сюжета, имеет глубокий философский смысл. Картина выполнена в технике многослойной лессировочной живописи. Чувствуется стремление художника к декоративности, плоскостности изображаемого. С 1986 г. вышла серия работ Пономарева А.В. на тему «Экология Н.Тагила». Почти все работы этой серии выполнены в технике традиционной масляной живописи. Но образы отнюдь не традиционны: художник решает сложнейшие задачи поиска образных решений волнующей его темы. Он стремится показать, как человек губит природу и себя, разрушает окружающую его среду, в которой он существует и разрушив которую он погибнет. Что же будет дальше? Первая и самая интересная работа серии — «Вид с Лисьей горы» или «Тагильские поганки» (1988 г.). Художник изображает город, «пораженный метастазами раковой опухоли». Своеобразным средством художественной выразительности является ее метафоричность: дым из заводских труб представлен в виде грибов — поганок, их ядовитые корни— сосуды канализаций. Земля поражена, загрязнена металлоотходами, с неба падает «дождь» - осадок из шариков ядовитой пыли. Над городом «светит» черное солнце. Картина символизирует «дыхание» наших заводов, насыщенное ядовитыми газами, испускающее ржавчину. Художник выбрал рыжие, ржавые, горячие тона, символизирующие разрушение, гибель. И в то же время они «кричат», взывая к людям. «Кричит» и большой формат картины, почти 4 квадратных метра. Цель столь большого формата— броситься в глаза, обратить внимание на проблему, вызвать сильное впечатление, показать размах трагедии. Первоначальное название картины, данное самим художником,- «Вид с Лисьей горы» - невольно вызывает ассоциацию с известной картиной И.Худоярова «Гуляние на Лисьей горе». Названия созвучны. Объект изображения — тот же: наш город. Созвучное с Худояровым название картине художник дал не случайно, а как средство сравнительного противопоставления. Вспомните город, который был чистым, малахитовозеленым и прекрасным с тем, который мы «построили». Эта сравнительная аналогия вызывает очень горькие мысли. «Ночной залповый выброс» (1994) — картина той же экологической серии. На полотне — ночное небо, спящий город и далекие огоньки. На переднем плане — Тагильский пруд. Над городом завис гриб ядовитого облака. Он отражается в воде. Гриб ядовито-красного, неестественного цвета, но его отражение в воде — черное, говорящее о том, что вода тоже загрязнена, что она — не для жизни. Снова художник воссоздает символику агрессивной среды. К экологической серии можно отнести и панно «Утоли мои печали»(1988). Оно выполнено в смешанной технике — батик, аппликация и вышивка. Композиция этой работы очень необычная, на первый взгляд— странная. В центре — крупным планом — распятый Христос (вышивка). В глубине, справа, - иконка Богоматери (батик). Тело Христа деформировано, крест — из осколков, переломов, символизирующих сломленность. В лице Спасителя — напряжение, усталость, скорбь. В этой скорби — боль за человечество. Художественная идея картины, по словам А.В. Пономарева, такова: Богоматерь родила сына для спасения человечества, мы же отвернулись от него и продолжаем уничтожать человечество, сами себя. Об этом говорят и торчащие снизу трубы, и какие-то непонятные пятна, и сам рельеф поверхности панно — колючий, неровный, агрессивный... Все исковеркано. Художественная идея панно решена в символикоассоциативном ключе. Проблема экологии родного города, за который у Анатолия Владимировича, по его словам, «всегда болит сердце», катастрофа человечества, боль за человека — один из главных мотивов творчества Пономарева А.В. Но художник видит, что его большие кричащие картины мало трогают людей, не беспокоят, оставляют равнодушными. С сожалением пришлось Пономареву оставить эту актуальнейшую, но ... никому не нужную тему (еще один абсурд нашей жизни). Еще одна из изобретенных им техник — масляная живопись по фольге. Именно такая техника, по мнению художника, могла раскрыть замысел композиции «НЛО» (1988 г.). На картине больших размеров холодные, изумрудно-зеленые тона пейзажа контрастируют с ослепительно-белым пятном НЛО и бликами на воде, усиленными по звучанию благодаря фольге. Средства художественной выразительности, использованные в картине (фольга и лессировочная масляная краска) созданы художником с целью - придать картине таинственный эффект свечения. Одной из любимых техник Анатолия Владимировича является темпера. Картина «Полевые цветы» (1986 г.) написана казеиново-масляной темперой на холсте. На глубоком коричневом фоне изображен букет сурепки, пышный и воздушный, сложенный из множества маленьких желтых цветков. Он — в простом керамическом сосуде. Пономарев никогда не пишет изысканно-роскошные цветы дач и подоконников. Его цветы просты, скромны, естественны, они — из русских полей и они прекрасны. И снова — теплые желтые тона, солнечные, говорящие о любви к русским лугам, русской природе. Катрина написана в свойственной Пономареву декоративной манере, которая проявляется и в плоскостном изображении керамического сосуда и фона, и в тонкой, четкой проработке ритмично расположенных соцветий и листьев. На протяжении всей своей творческой жизни Анатолий Владимирович совершенствовал свое мастерство в милой его сердцу технике батик, много экспериментировал. В своей работе «Композиция» (1990-е годы) он использовал смешанную технику — батик и рельефную пасту. Выполненная в холодных серых контрастных тонах, композиция носит поисковый, абстрактный характер, отражая, как и многие другие его работы, неустанный поиск новых средств самовыражения. Как творческий - материал, ткань всегда увлекала художника. Панно «Натюрморт» выполнено в технике аппликации по ткани. Мы видим горшок со цветами, изображенные в обобщенно-абстрактных формах, выполненные из кусочков ткани очень ярких сочных тонов — красных, желтых, синих. В работе сочетаются и декоративность, и поисковоабстрактные тенденции. Анатолий Владимирович Пономарев — не только самобытный художник-живописец. Он и талантливый педагог, с большим профессиональным опытом, воспитавший сотни учеников. Многие его выпускники также стали преподавателями УУПИ и прекрасными мастерами своего дела: Архипов А.В. — преподаватель практики и композиции; Кабанова Л.В. — преподаватель шрифтов и цветоведения; Кошурникова Г.В. — преподаватель НХП и народного орнамента; Королева Ж. — преподаватель в художественной школе. В УУПИ Анатолий Владимирович работает с 1974 года преподавателем специальных дисциплин, преподает композицию, миниатюрную живопись и основы исполнительского мастерства на старших курсах отделения «Художественная роспись». Его деятельность в этой сфере невозможно отделить от его активнейшего участия в возрождении тагильского подносного промысла. Приоритеты Пономарева, как живописца-художника, ориентированы на народное искусство, декоративную живопись, стиль «примитив». Интерес к народной росписи появился еще в училище, когда Анатолий Владимирович начал серьезно изучать древнерусское искусство, иконопись, позже сам писал и реставрировал иконы (по заказу тагильской церкви). Как известно, тагильский подносный промысел возник в XVIII веке среди старообрядцев, где было немало иконописцев. Поэтому при знакомстве с техникой иконописи у Пономарева родилась любовь к народному орнаменту, старой традиционной уральской росписи. Анатолий Владимирович самостоятельно занимался углубленным изучением исторических корней росписи, технологией его выполнения. В 1970-е годы усиливается интерес к крестьянскому искусству и художественным промыслам, как носителям коренных народных традиций. Сотрудниками Московского научно-исследовательского института художественных промыслов под руководством Бородулина А.В. был собран и проанализирован большой материал по уральской домовой росписи, росписи подносов и бураков. Он стал базой для восстановления в Тагиле, на заводе «Эмальпосуда» традиционных композиций росписи подносов. Анатолий Владимирович знакомится с известным тагильским краеведом И.А. Орловым (1901-1992). «С грустью наблюдая, как мельчает и гибнет уникальное рукоделие, Иван Абрамович не поленился обойти тагильских долгожительниц и упросил их оставить потомкам типичные зарисовки композиций минувшего, любимейшую гамму цветов и оттенков» В результате был создан альбом «О нижнетагильской росписи», составленный из подлинных зарисовок мастериц, воссоздающих последовательно образцы и технологию старой традиционной тагильской росписи, а также эволюцию изобразительных приемов, очертания флоры уральского букета, его характерный колорит. Опираясь на работы исследователей, а также на собственный опыт в изучении росписи, Анатолий Владимирович выработал индивидуальную систему преподавания, а главное, возродил в системе преподавания росписи прекрасный стиль письма, основанный на народных традициях, и классическом искусстве России. Анатолий Владимирович щедро делится с учениками своим творческим опытом, знаниями, мыслями, навыками. Вся педагогическая деятельность преподавателя посвящена творческому росту студентов, их профессиональным потребностям. Методика профессионального воспитания студентов основывается на изучении богатых традиций, как местных мастеров росписи, так и мастеров традиционных промыслов России. Очень интересен опыт работы Пономарева А.В. по композиции, где студенты отрабатывают различные типы колористических решений, что дает прочные знания по работе над новым произведением живописи, в разных жанрах росписи. Анатолий Владимирович не останавливается на цветочной росписи. Его больше интересует живопись классической школы, сюжетная роспись, традиции Худояровых, Перезоловых, Дубасниковых... Он готовит наглядные пособия для студентов по основам исполнительского мастерства на тему: «Сюжетная роспись» и по стилю «примитив». Сам Анатолий Владимирович расписал несколько подносов на тему «пейзаж», но особенно привлекал его исторический жанр, тема родного края. Для кооператива «Дан» он выполнил на подносе копию картины И.Худоярова «Гулянье на Лисьей горе». Свою любовь к родному краю и его истории Анатолий Владимирович старался привить и своим ученикам. Преподаватель не диктует сои видения мира, он направляет студента и помогает ему выявить свое дарование. В итоге, под руководством Анатолия Владимировича уже в 1975 г. к защите дипломных проектов были представлены четыре работы по росписи подносов. В этих проектах проявился высокий художественный вкус, умение работать с колоритом, найти выразительный оригинальный сюжет. Запоминающуюся по исполнению и сюжету композицию (путешествие в Москву тагильского изобретателя Е.Артамонова на велосипеде собственной конструкции) разработал Г.Бабин, будущий заместитель директора «Эмальпосуды» по художественной части. Студент так удачно вписал изображение велосипедиста и теремов-городков в овальную плоскость, что поднос отнюдь не выглядел станковой картиной и сохранял свое функциональное назначение. Декоративность проявилась и в выборе колорита, в контрасте красного и черного цветов. Получилась своеобразная красочная вибрация, основанная на сопоставлении близких оттенков одного цвета. Своеобразно панно И. Колпаковой, посвященное тагильским живописцам. На подносе она изобразила сцену из трудового быта мастеров-подносчиков XIX века. Круглая форма подноса требовала замкнутой композиции. Дипломница решила эту задачу не рисунком, а цветом. Каждый цвет одежды мастеров имел отголосок в четырех букетах декоративных цветов, расположенных по свободному полю подноса. Первый успех дипломников, занимавшихся под руководством А.В. Пономарева, послужил основой для дальнейших поисков. Уже в 1976 году на декоративно-оформительское отделение училища приняли целую группу учащихся, которые стали специализироваться на художественной росписи подносов. Расширилась география сбора материала, учащиеся изучали местное традиционное искусство не только в уральских, но и в московских музеях. На производственной практике учащиеся осваивали ремесленные навыки: умение правильно разводить краски, добиваться нужного цветового оттенка на палитре, брать на кисть строго определенное ее количество. Без этого, так же как без освоения тонкостей ритмики письма, нельзя заниматься традиционной росписью. Затем им доверили роспись массовой продукции. Работы учащихся Уральского училища прикладного искусства свидетельствовали о больших далеко не раскрытых возможностях горнозаводской декоративной росписи, которые можно развивать в творчестве мастеров тагильского промысла. Столь смелый эксперимент наглядно доказал, что можно готовить художников для промысла в самом Н.Тагиле. Директор УУПИ Я.В. Полищук, видя любовь и глубокий интерес Анатолия Владимировича к тагильской росписи, предложил ему открыть отделение и полностью посвятить свою педагогическую деятельность возрождению и изучению промысла. В 1984 г. в УУПИ было открыто специальное отделение «Художественная роспись». С первых своих шагов отделение росписи стремилось поддерживать тесные контакты с родственным цехом завода «Эмальпосуда». «Студенты, творчески воплощавшие свои замыслы, поколебали-таки уверенность педагогов... в правильности рекомендации московских ученых из НИИ художественной промышленности, которые идеализировали кистевую народную роспись. В результате этого одностороннего подхода внедрялось патриархально-крестьянское письмо в один мазок и объявлялась чуждой живопись классической школы, украшавшая сибирские подносы без малого целое столетие... Именно она, благодаря меценатскому покровительству его основателей, принесла Н.Тагилу всероссийскую известность и славу». Дипломным работам молодых авторов, встающих на самостоятельный путь, было свойственно необычайное разнообразие сюжетов и техники живописи. Те, кто был посмелее, не останавливались даже перед столь трудным жанром, как портрет, изображая на металле былинных героев, выдающихся писателей, композиторов, художников. Высоко оценили экзаменаторы разноплановые работы выпускников 1988-1989 гг.: «Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем» Е.Маклашовой, «Лето» М.Новичевой, «Жнецы» Т.Крохалевой, «Плоды уральского сада» Н.Хохловой, «Осенние напевы» Н.Хамовой, «Вечерний звон» А. Боголюбовой и ряд других. Перечень этот достаточно красноречив. Из него явствует, что молодежь, благодаря профессиональному подходу А.В.Пономарева, который сумел их заинтересовать, по-настоящему потянулись к усложненной, сюжетной живописи. Одна из наиболее удачных работ выпускника 1988 г. — «Никита Антуфьев-Демидов» Л.Рудневой, связанная с конкретной историей, выполнена с глубоким уважением к прошлому. Удачно были найдены композиционное и цветовое решение. До настоящего времени сохранилось несколько живописных изображений этого влиятельного и волевого человека. Однако автор росписи на подносе сумела создать новый образ — более человечный и интересный, образующий единое целое с фигурной формой подноса и клеймами заводов, построенных основателем знаменитой династии при жизни. Большой вклад внесли ученики А.В. Пономарева в развитие сюжетной росписи на предприятии «Метальная лавка». Однотипность цветочной росписи металлоизделий сильно мешала конкурировать с жостовскими подносами. Как ни варьируй схожие мотивы и цвет фона, букет он и есть букет. А вот пейзажные, жанровые композиции украшали лишь студенческие да выставочные экземпляры. С целью устранения этого пробела из цеха в творческую группу были переведены Алена Калинина и Посаженникова Ирина, выпускники УУПИ. Уже в 1995 г. их декоративные произведения получили высокие оценки на художественных выставках в России и за рубежом. Опираясь на старые традиции, живописцы представили на выставке копии картин известных художников: П.Рубенса «Персей и Андромеда» А. Калининой, «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости» И.Посаженниковой, и ее же поднос с бытовым сюжетом «Первый снег». Особо выделяются расписные натюрморты, которые можно считать принципиально новым жанром в творчестве нижнетагильских мастеров. Наиболее гармоничны и цельны натюрморты А. Калининой. Ее утонченное письмо несет понимание и переосмысление творчества голландских мастеров XVII века: изображаемые фрукты воспринимаются как апофеоз земных щедрот. Каждая деталь возведена в перл, все вещи имеют затаенный символический смысл. Прекрасная композиция, умелое выявление особенностей каждого предмета, особая звучность цвета— свидетельства одухотворенности и обаяния. В конце 90-х молодые живописцы «Метальной лавки» А. Сидорова и О.Воложанина, выпускницы УУПИ, обратились к пейзажу некогда излюбленному в русском искусстве. Можно констатировать, что лучшие традиции отечественного пейзажа находят здесь свое продолжение и развитие: из-под кисти мастеров появляются произведения, воплощенные в декоративную пластику, многие из которых становятся классикой тагильской школы росписи. Работы И. Шишкина, И. Левитана, В. Поленова и других русских пейзажистов, перенесенные на подносы, сегодня воспринимаются неувядаемо прекрасными символами родной земли. Проникновенным лириком и тонким колористом выступает М.Маркина, выпускница Нижнетагильского педагогического института. Умело и правдиво отражает она красоту окружающего мира в своих пейзажах, демонстрируя высокий уровень исполнительского мастерства. Ее картины-подносы по праву вошли в крупнейшие музейные собрания, широко известны они и за пределами Нижнего Тагила. «Что бы ни изображали живописцы — от скромных полевых цветов до горюющих белых берез у тихой речки - во всем ощущается лирический настрой, особая музыка окружающего человека мира, напоминающая о неразрывном их единстве». Безусловно, что творческие идеи, взгляды Анатолия Владимировича Пономарева воплотятся в будущих трудах еще многих его учеников.
